Login

  





Los mejores comentarios de lucianosivori

Mensaje escrito por lucianosivori el 19/09/2017 09:05:31 am - Puntaje: 57 
Adios, Emmanuelle.

Mensaje escrito por lucianosivori el 22/09/2017 08:46:15 am - Puntaje: 23 
#IT #Eso (2017) Género: terror / drama / coming-of-age Calificación: 8,5/10 Un grupo de chicos que se consideran “perdedores” se unen contra Pennywise, un demonio cambia-formas que toma la apariencia de un payaso –entre otras cosas– para cazar a los más jóvenes del pueblo de Derry. [image]http://www.insidethemagic.net/wp-content/uploads/2017/03/it-teaser-poster.jpg[/image] [link]https://youtu.be/2CP1rjNRaJE[/link][anchor_text]Trailer de “IT”[/anchor_text] “IT” ya hizo historia dentro del cine convirtiéndose en la película de terror más taquillera de la historia y seguramente sea recordada en el futuro como una de las mejores adaptaciones de una obra de Stephen King, quien quedó muy satisfecho con el resultado. Se trata de una producción muy cuidada que tiene mucha más profundidad y aristas que otras películas de terror ya que trabaja con temáticas fuertes: la sexualidad, el abuso, la falta de supervisión adulta, el traspaso de la niñez a la adultez y la importancia de las amistades en la infancia. El director argentino Andy Muschietti tomó la excelente decisión de dividir la historia en dos, siendo esta primera parte enfocada exclusivamente en la primera lucha contra IT cuando todos son niños. Esto hace que la historia funcione más como un coming-of-age que tiene un poquito de los “Goonies” y otro poco de “Stand by Me”, dos clásicos infaltables del sub-género. Vale aclarar que la vibra “Stranger Things” se siente, pero esta película comenzó a concebirse siete años atrás, mucho antes de que siquiera existiera la idea para la serie de los hermanos Duffer. Sólo la primera secuencia, que reproduce con fidelidad el primer capítulo de la novela, alcanza para ver que se trata de un relato que quiere utilizar el terror para hablar de otra cosa. De hecho, si las vas a ver exclusivamente por los sustos, quizás te sientas un poco decepcionado. No es que no de miedo, sino que los momentos de terror –por momentos, muy bien logrados– en general se ven venir y no son el verdadero foco de la historia. Con esto no quiero decir que no los haya. Hay una gran cantidad de escenas muy impresionantes que fueron realizadas con maestría. El climax en las alcantarillas, la escena del baño de Beverly y la del garaje son tres que, por ejemplo, me gustaron mucho. Bill Skarsgård hizo un gran trabajo como Pennywise, aunque es una lástima que lo hayan adornado con tantos efectos especiales. Su presencia es imponente, entretenida y horrorizante. El resto del elenco (los siete del Club de los Perdedores) funciona muy bien, en parte gracias a la dirección de actores que brindó Muschietti (quien ya había trabajado con chicos en comerciales en Europa antes). Si tengo que elegir, quienes destacan especialmente son el alivio cómico Richie (Finn Wolfhard, quien luego protagonizó “Stranger Things”), el líder tartamudo Bill (Jaeden Lieberher) y Sophia Lillis como Beverly Marsh, una interpretación alucinante que captura al personaje literario a la perfección. Otro gran acierto de la película es cómo convierte a la ciudad de Derry en un protagonista. La idea de que todo el pueblo está maldito nunca fue tan cierta. Acá los adultos brillan por su ausencia, y los que vemos son detestables o directamente no se preocupan (como si estuvieran poseídos por IT). Este concepto es escalofriante y cierra bien con las temáticas que explora la película. Los cambios realizados respecto a la novela original son chiquitos y en general los apruebo. Los más importantes son, quizás, el cambio de época (la sección de los chicos de obra literaria toma lugar en 1958, mientras que la película lo hace en 1989) y la falta de la escena clave que explica el origen de IT (se dejó afuera por falta de presupuesto). Como adaptación literaria es muy fiel y logra tomar los elementos esenciales de la mayor obra de Stephen King. Una adaptación que, además, se beneficia por interesantes efectos especiales, un ritmo narrativo atrapante (sus más de dos horas de duración casi no se notan) y una buena capacidad de disparar múltiples lecturas. Estamos ante un nuevo gran clásico que balancea humor, drama, emoción y terror con mucha soltura. “IT” sabe cuándo asustarte, cuándo hacerte reír, cuándo ponerte nervioso y cuándo dejarte pensando. =>> CONCLUSIÓN: “IT” es un thriller muy sólido, aunque no tan aterrador. Si uno va con la expectativa de que sea la película de terror del año, sin duda se va a decepcionar. En cambio, quien la vea por su componente humano y dramático, creo que logró exitosamente adaptar la sencilla brillantez de la escritura de King. Tiene escenas muy recordables, grandes actuaciones y mucha creatividad visual. Altamente recomendada. <<= [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2013/08/it-eso-novela-1986.html[/link][anchor_text]Mi reseña de la novela “IT” (1986)[/anchor_text] Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 24/07/2017 01:28:20 pm - Puntaje: 22 
Qué paradójico que el elegido para llevar Robotech al cine live-action sea un director argentino, siendo que hace unos años se vivió una polémica en nuestro país por una remake inspirada en la serie de animé. Un grupo de argentinos fanáticos de Robotech (y oriundos de mi ciudad, Bahía Blanca) creó una inspirada remake de la serie japonesa que marcó la infancia de varios, sólo para encontrarse con problemas legales con quienes guardan celosamente los derechos. Ahora, tras los pasos de la película de terror Mamá y la nueva versión de IT, el director argentino Andres Muschietti va a llevar adelante la adaptación al cine de Robotech. Creo que hay algo bueno que está pasando en Hollywood: finalmente se le está dando espacio a realizadores latinoamericanos que comenzaron a destacar con grandes producciones: Alejandro González Iñárritu, Fede Álvarez, Damian Szifron (que está preparando la remake de El Hombre Nuclear). Y ahora también Muschietti. La larga espera del remake Robotech es uno de los animés de ciencia ficción que definieron la infancia de muchos. Toda una generación de chicos se reunía frente a la televisión para ver con entusiasmo las guerras intergalácticas entre humanos y seres del espacio. Si bien el aclamado animé recientemente llegó al gigante del streaming, hasta ahora no se han conocido remakes oficiales. Han ido saliendo algunas precuelas y spin-offs oficiales de la franquicia (en el blog hablé de Macross Zero: la precuela de Robotech) pero ninguna reinterpretación de la historia original. Sólo existen (y a docenas) cortos fanfics de personas obsesionadas con la historia. Entre ellos, un grupo de Bahía Blanca, Argentina, se juntó para realizar un largometraje inspirado en el animé: Robotech, proyecto Valkiria. ¡Aguantá! Vivo en un raviol… ¿qué es Robotech? Aunque no te guste el animé hay ciertos títulos que conocés –al menos debido a la ósmosis pop-cultural– y formaron parte de tu infancia: Los Supercampeones, Dragon Ball Z, Los Caballeros del Zodiaco. A ellos, inevitablemente, se suma Robotech, que la pasaban por Magic Kids y –durante un tiempito– en el canal Locomotion (que luego fue “Animax”). Los años ´80 fueron grandes para el animé. Gracias a Akira (1988), el mundo entero conocía las virtudes de este medio de ficción. También en 1987 llegaba esta serie que mezcló ciencia ficción, acción y melodrama de una forma única hasta el momento. Incluso tres décadas después, la saga de Robotech sigue siendo vigente a través de comunidades de fans, videojuegos, películas y, ahora, su relanzamiento en Netflix. Guerras intergalácticas Robotech relata el destino de la especie humana desde fines del siglo XX hasta mediados del siglo XXI, a lo largo de tres generaciones de héroes. Luego de que en el Pacífico Sur cae una gran nave alienígena, y ante el temor de una invasión extraterrestre a gran escala, se forma el Gobierno Unido de la Tierra. El ejército utiliza tecnología extraterrestre (la protocultura) para combatir en una serie de guerras contra diversas razas extraterrestres. La serie se hizo famosa por darle un énfasis especial a los protagonistas femeninos (que son tan importantes como los masculinos), presentar triángulos amorosos sin precedentes en la animación japonesa (inolvidable el de Rick Hunter, Minmei y Lisa Hayes) y brindar constantes sorpresas argumentales (como el hecho de que todos podían morir en cualquier momento –y, de hecho, algunos lo hacen). La serie consta de un total de 85 episodios que, originalmente, fueron tres series japonesas diferentes, y se unificaron bajo un mismo universo: “La saga Macross” (Macross): la historia del piloto Rick Hunter y su tripulación de la nave SDF-1 enfrentándose a la raza de los Zentraedi. (36 episodios) “Los maestros Robotech” (Southern Cross): se centra en Dana Sterling, la primera hija de Max y Miriya Sterling de la saga anterior, quien se une a la armada de Southern Cross en la lucha contra los maestro Robotech (quienes estaban originalmente detrás de la invasión a la Tierra comandada por los Zentraedi). (24 capítulos) “La nueva generación” (Mospeada): en esta ocasión, los enemigos son seres insectos conocidos como los “Invid”, quienes esclavizaron a la Tierra. El combatiente Scott Bernard toma la posta para liderar la revolución, y aparecen algunos viejos aliados para ayudar en la causa. (25 capítulos) Robotech: proyecto Valkiria Sorprendentemente, la ficción de fans que muestra los primeros contactos de humanos con avanzadas razas alienígenas fue un éxito rotundo que cosechó seguidores a lo largo y ancho del país. En Youtube pueden verse los primeros dos episodios, ambos de una calidad técnica importante. Los autores también dieron algunas notas locales en Bahía Blanca hablando sobre el proyecto. La demanda al corto argentino de Robotech Lamentablemente, a los directivos de Harmony Gold, quienes poseen los derechos de Robotech, no les gustó demasiado que la miniserie haya sido tan bien recibida. Antes de que la tercera y última parte de la historia viera la luz, los problemas legales aparecieron. En la fan-page de Proyecto Valkiria publicaron lo siguiente: “Por sorpresa nos llegó esta mañana un C&D (cese y desista) (cease and desist) por los derechos de Robotech, que es propiedad de Harmony Gold. Tendremos que dar de baja todos los links del proyecto, incluida esta página. Estamos viendo los detalles del aviso y trataremos de llegar a un acuerdo para terminar el 3er episodio. Todo el equipo del proyecto se siente muy orgulloso de haber realizado esto. Lamentamos profundamente no poder terminarlo en este momento, pero los mantendremos informados a través de los diferentes fan sites. QUEREMOS AGRADECERLES TODO EL APOYO QUE NOS DIERON.” Actualmente la fan-page fue eliminada. Esto podía verse en la página oficial del proyecto hace algunos años: Lo triste es que César Turturro, director de Creavisión, la productora audiovisual de Bahía Blanca que realizó esta serie, contaba con el apoyo inicial de Harmony Gold (siempre y cuando no fuera con fines de lucro). Se ve que la situación cambió debido al éxito de la miniserie. Una verdadera lástima, porque los dos capítulos tienen una gran riqueza técnica y audiovisual. Luego de intentar (en vano) mediar con Harmony Gold, Turturro terminó por expresar lo siguiente: “Fue una avalancha impresionante de cosas, hasta que llegó la carta y tuvimos que bajar todo. Al parecer el diseño de los robots, las imágenes… era todo muy complicado. Muchos me preguntaban ‘¿no tenías idea de que iba a ser así?’ Y la verdad que no, no tenía la idea de que era todo tan complejo.” Sería interesante ver la tercera y última parte de la historia. Quizás –al Universo le gustan las coincidencias y sincronismos– Andy Muschietti se cope con estos cortos y le sirvan de inspiración para su propia remake. [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2017/07/demanda-corto-argentino-robotech-valkiria-bahi
a-blanca.html[/link][anchor_text]Fuente[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 26/08/2017 02:08:15 am - Puntaje: 22 
#DeathNote (2017) Género: thriller / misterio/ fantasía Calificación: 4/10 Light Turner, un estudiante de secundaria, se cruza con una libreta mística que tiene el poder de matar a cualquier persona cuyo nombre se escriba. Luego de probar su funcionamiento, decide comenzar una cruzada secreta para convertirse en el nuevo Dios del mundo. [image]http://www.hobbyconsolas.com/sites/hobbyconsolas.com/public/media/image/2017/06/death-note-wi
lliem-dafoe-como-ryuk_0.jpg[/image] [link]https://youtu.be/e7Q8EyNO3YA[/link][anchor_text]Trailer de “Death Note”[/anchor_text] Me considero una persona abierta para las adaptaciones, y no creo que tengan que ser 100% fieles a la fuente porque (1) no agrega ningún valor y (2) son medios muy diferentes que requieren tratamientos distintos. “Watchmen” de Zack Snyder me pareció una excelente adaptación de la novela gráfica de Alan Moore porque se mantiene fiel a la esencia de la historia modificando algunas cuestiones sutiles que incluso hasta la mejoran. La cuestión con “Death Note” de Netflix es que no sólo tiene MUY POCO que ver con su fuente y con la esencia del animé original, sino que tampoco es una buena película en sí misma. Antes quiero aclarar que el animé me pareció una joyita del suspenso y la fantasía. Vi los 37 episodios de la serie repetidas veces (no menos de cuatro de hecho). Así que sí, puedo considerarme un fan-boy. Es una de mis obras favoritas y la que me llevó a querer empaparme de mucha más animación japonesa cuando lo vi por primera vez hace casi diez años. Por eso tenía expectativas y ansiedad por esta nueva película que tenía todo el potencial para ser de aceptable para arriba. El director Adam Wingard tiene trayectoria en el cine de terror, más allá de algún que otro traspié, los trailers vendían algo atractivo y enigmático y Willem Dafoe interpretaría al shinigami Ryuk. ¿Qué podía salir mal? Puedo decir, con seguridad, que “Death Note” es una de las peores adaptaciones del año y del mundo entero. No es una basura al nivel de “Dragon Ball Evolution”, aunque tampoco es lo suficientemente decente. Light Turner y L son, supuestamente, personas súper inteligentes. Al menos eso se repite una y otra vez a lo largo de la trama. Sin embargo, sus acciones y razonamientos no lo demuestran en absoluto. La verdad es que ambos son bastante idiotas. Especialmente el protagonista Light sale muy mal parado. Su personaje es un completo estúpido que hace cosas sin sentido en una escena y luego algo extremadamente astuto (e igualmente poco creíble) en la siguiente. Para hacer las cosas peor, el actor Natt Wolf no sirve para el papel y brinda una interpretación muy mediocre. Un casting súper errado. No me jode que L sea negro. El problema con su personaje fue por otro lado, y tiene que ver con un equipo creativo que no supo captar los temas fundamentales que trabaja la historia original. Lakeith Stanfield le pone onda al papel, pero la mitad del tiempo parece no saber bien qué hacer. Su rol, incluso, queda relegado a un segundo plano. Hay de sobre para enojarse con esta película: los muchos estereotipos de Hollywood, la construcción apuradísima entre Mía y Light, el extraño soundtrack que parece pensado por los creadores de “Suicide Squad” y el desbalance entre terror, comedia y suspenso (que nunca alcanzan el equilibrio justo) son sólo algunas cosas que se me ocurren. Por ejemplo (y esto, lo admito, es un mini-spoiler) las muertes vía la libreta son muy estilo “Destino Final”, lo cual genera un sentimiento grotesco que va a contrapelo de la seriedad que quiere plantear la historia. Está claro que quiso encararse para un público más juvenil (por eso el foco en Light y Mía, dos personajes con química olvidable y sin tiempo para desarrollar su relación). Por suerte no todo es tan horrible. Aún con sus muchos defectos, nunca deja de ser llevadera, y levanta en el tercer acto con algunos giros argumentales que, al menos, le ponen más picante a la historia. Riuk está muy bien, tanto en la voz como en el diseño, y fue acertada su participación desde las sombras (si bien extrañé esa relación tan loca –y diferente– que tiene con Light en el animé). Un punto donde sí funciona es en la relación entre padre e hijo. Shea Whigham es el único actor de verdad que se tomó las cosas en serio, y disfruté de su interpretación como el detective James Turner. De hecho, es la única dinámica entre personajes que está lograda. =>> CONCLUSIÓN: “Death Note” de Netflix sólo vale la pena para apreciar todavía más el animé y que, quienes conozcan la historia por primera vez acá, puedan interesarse más en la original, que es infinitamente superior. Si bien levanta un poco sobre el final y tiene un par de aciertos, no puedo recomendarla. Falla en recuperar la esencia. No garpa por sí sola como película de fantasía y misterio. Una verdadera lástima. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 26/09/2017 08:59:10 am - Puntaje: 20 
#AGhostStory (2017) Género: drama / suspenso Calificación: 8/10 Cuando un músico muere en un accidente de auto frente a su casa, regresa como un fantasma (cubierto con una sábana blanca) a la casa en la vivió con su mujer. [image]http://sideonetrackone.com/wp-content/uploads/2017/07/ghost_story.jpg[/image] [link]https://youtu.be/e-xojBVy3eU[/link][anchor_text]Trailer de “A Ghost Story”[/anchor_text] Disfruté mucho de esta película independiente de David Lowery que va a hacer enojar a más de uno. El concepto original es precioso, pero la manera en la que el director lo expone atenta contra la paciencia de cualquier audiencia, especialmente durante el primer tercio de la historia. A “Ghost Story” tiene un ritmo muy aletargado, es súper silenciosa (prácticamente no hay diálogo) y se denota un uso prolongado de planos fijos donde no parece pasar nada. La ya infame escena de la torta, donde vemos literalmente durante 5 minutos a la protagonista devorar un postre, compite contra las escenas más estiradas de este año en Twin Peaks. Es clave aclarar que, aunque se juega con algunos elementos clásicos del cine de terror, no hay película más alejada del horror este año que ésta. Más bien es una exploración muy introspectiva y singular sobre el “dejar ir”, el amor, la pérdida y la enormidad de la existencia. Del mismo modo, si bien se ven dos o tres escenas de suspenso muy bien logradas, es una meditación poética sobre la memoria, el tiempo y la conexión espiritual antes que una “historia de fantasmas” de la forma tradicional. A mí este aspecto me resultó fascinante. Hay una existencialista profundidad que emerge de lo que fácilmente podría haber sido un proyecto fallido y absurdo. Por otra parte, creo que el ambiguo y extrañísimo final va a ser uno de los más debatidos por años, a la par de las palabras susurrada por Bill Murray a Scarlett Johansson en “Lost in Translation”, el misterio de las cintas enviadas en “Caché” de Michael Haneke y todas las preguntas sin respuestas de “Mulholland Drive”. No quiero ahondar demasiado en este aspecto porque es mejor descubrirlo por uno mismo. Probablemente realice un análisis más detallado para el blog porque creo que vale la pena explorar a fondo el desenlace. La narrativa minimalista funciona apoyada en las actuaciones de Casey Affleck y Rooney Mara, que generan una intimidad poderosa. Como espectador uno siente que es un intruso en sus vidas, comparte sus dolores y simpatiza con ambos. La inversión del punto de vista –relatar la historia desde la mirada de un alma en pena (y muda) que no puede dejar ir– es cautivante. =>> CONCLUSIÓN: “A Ghost Story” es una experimental y hermosa pequeña historia sobre la aceptación de la pérdida, y sobre lo insondable del tiempo. Si bien lenta y silenciosa, me hipnotizó por completo por su cinematografía, los curiosos giros argumentales y su profundidad temática. Una película que dice mucho sin decir demasiado. Me encantó, y me parece de lo más creativo del año, pero entiendo perfectamente a quien afirme que se trata de un mal chiste que no sabe cuándo terminar. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 03/10/2017 11:36:46 am - Puntaje: 17 
#ElJuegoDeGerald (2017) Género: thriller psicológico / suspenso Calificación: 7,5/10 Jessie y Gerald son un matrimonio maduro que viaja a una remota cabaña con la idea de revitalizar su pasión. Cuando Gerald decide esposarla a la cama para incrementar las sensaciones, y luego muere inesperadamente de un infarto, Jessi tiene que luchar por su supervivencia. [image]http://popcornhorror.com/wp-content/uploads/2014/05/geralds-game.jpg[/image] Trailer [youtube]https://youtu.be/_5VbpE4W8ro[/youtube] Va siendo hora de que se tenga más en cuenta a Mike Flanagan, un realizador que viene haciendo un proyecto interesante tras otro. Dos de sus películas del 2016, “Hush” y “Before I Wake”, formaron parte de mis favoritas de aquel año. El tipo sabe hacer un terror diferente y con profundidad temática, y se destaca por dar roles protagonistas a mujeres, haciendo que sus películas se sientan diferentes. En “El juego de Gerald” –basada en una novela de Stephen King– el personaje de Carla Gugino hace una actuación magistral que espero sea reconocida por la Academia. Bruce Greenwood y Henry Thomas, si bien se quedan un poquito más atrás, también tienen interpretaciones fascinantes. Cuando uno piensa en un argumento sobre una mujer atada a una cama durante gran parte de la película, cabe pensar que va a costar llegar bien a los 90 minutos. Sin embargo, “El juego de Gerald” llega con tranquilidad a los 103 minutos y nunca se siente estirada. La historia parece sencilla, pero es bastante más profunda, dramática e interesante de lo que aparenta en primera instancia. Comentarlo sería entrar en terreno de spoilers, y esta es una de las películas que vale la pena ver con la menor cantidad de información posible. Si bien tiene algunos sustos moderados, la trama va más por el lado del thriller psicológico y toma unos giros argumentales muy astutos. Desde la sutil primera escena, donde el marido guarda las esposas en el bolso, comienza a sentirse la extrañeza de la historia, y es muy llamativo cómo el guión nos va llevando por lugares insospechados. Nuevamente, Flanagan coloca con maestría a un personaje femenino en una situación muy incómoda, un desafío físico, sobrenatural en algún punto, que tiene repercusiones con su propia vida. Donde otras premisas similares fallaron (pienso en “127 horas” o “Enterrado”, con Ryan Reynolds), el director logra sobrepasar todas las convencionalidades del género. Por cierto, fans de Stephen King van a poder detectar muchísimos guiños a sus obras literarias. =>> CONCLUSIÓN: En un año sobrecargado de adaptaciones de Stephen King, ésta –junto con “IT”– es una de las que vale la pena tener en cuenta especialmente. “El juego de Gerald” brinda actuaciones de primer nivel, mantiene un suspenso apasionante y deja un mensaje fundamental. Potente y terrorífica. Está disponible en Netflix. <<= BONUS TRACK [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2017/01/lista-top-15-lo-mas-destacado-del-cine-2016.ht
ml[/link][anchor_text]Mis películas favoritas del 2016[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 11/08/2017 10:37:00 am - Puntaje: 14 
#GuardiansOfTheGalaxyVol2 (2017) Género: superhéroes / acción / comedia / sci-fi Calificación: 7/10 En esta segunda parte, los Guardianes luchan por mantener unida a su nueva familia mientras buscan resolver el misterio del verdadero origen de Peter Quill. Viejos rivales se convierten en aliados a medida que el Universo Cinematográfico de Marvel continúa creciendo. [image]http://img.aullidos.com/imagenes/caratulas/guardianes-galaxia-2-2.jpg[/image] [link]https://youtu.be/XOoez2Pe6kE[/link][anchor_text]Trailer de “Guardians of the galaxy. Vol2”[/anchor_text] “Guardianes de la Galaxia 2” era una de mis películas más esperadas este año. La primera parte fue una súper inesperada, extravagante e ingeniosa historia de ópera espacial que se convirtió, pronto, en una de mis favoritas del 2014. James Gunn insertó frescura en el universo Marvel con una película muy lograda, divertida y emotiva. Repetir el éxito no iba a ser sencillo, y creo que el director lo logró hasta cierto punto. La secuela es una continuación decente, con algunos aciertos, aunque no deja de tener fallas graves que son difíciles de dejar pasar. En algún punto, esta película es más inteligente que la mayoría de su tipo, pero no alcanza el nivel de la primera. Es divertida (de neuvo: no tanto como la primera) y está por encima de la media de Marvel. No deja de ser un film absolutamente lúdico, desenfadado, que apuesta al humor por sobre la narrativa. Dicho humor es a veces muy bueno (la escena inicial es excelente, una de las mejores introducciones a una peli de Marvel que haya visto) y a veces muy malo. Y acá, cuando el humor no funciona, no funciona. Hay escenas donde me quedé pensando “qué carajo”. Tampoco ayuda la sobre-exposición que presenta la historia, donde constantemente los personajes están diciendo en voz alta lo que el espectador tiene que saber (o recordar). Las sutilezas quedaron a un costado. Hay ejemplos a montones a lo largo de sus dos horas y moneditas de duración. En cuanto a materia de acción y diversión, “Guardianes de la Galaxia 2” sigue fielmente la matemática del pochoclo. Grandes batallas, muchos disparos, buenos efectos especiales y pirotecnia. No me puedo quejar desde el costado artístico porque brinda momentos muy memorables. La escena del escape de la prisión es uno de las más bellas, igual que el climax final. Algo que la película hace muy bien es desarrollar a algunos personajes un poco más: Quill, Gamora, Nebula, Rocket Racoon... el caso de Yondu es destacable. Michael Rooker es el mejor actor dentro del reparto, y su personaje es lo más interesante de la historia. Kurt Russell sale bien parado como Ego, el planeta viviente, un personaje de Marvel que es –literalmente– un planeta viviente y acá estuvo bien llevado. Me gustó la manera en que lo insertaron en el conflicto, aunque su giro del segundo acto es otro caso de estereotipo que debería evitarse a esta altura. Otros personajes secundarios tienen su simpatía, pero están más para figurar que otra cosa. No me quedó claro el rol de Mantis en la trama, Drax quedó relegado a un comic relief sin gracia, los tipos dorados son todos muy caricaturescos y el cameo de Silvester Stallone como Stakar Ogord es agradable aunque demasiado breve. Importante destacar que, esta vez, el cameo de Stan Lee tiene un propósito que, seguramente, tendrá un impacto en las películas venideras del universo Marvel. Algo llamativo que pensé mientras veía GOTGV2 es que, si la primera entrega tuvo una influencia muy importante de “Star Wars: Una Nueva Esperanza”, esta segunda parece tomar algunos elementos de “Star Wars: El Imperio Contraataca”. Si sigue la tendencia, esperaría que la tercera y última parte se inspire en “El Retorno del Jedi”. Por último, me queda por mencionar a Baby Groot. Está claro que está hecho para atraer a los más chicos y vender juguetes tiernos. Afortunadamente, su participación es chiquita y muy equilibrada. Me gustó y sumó una porción del humor “bueno” que tiene la cinta. =>> CONCLUSIÓN: si bien no se acerca al ingenio ni al humor de la primera parte, “Guardianes de la Galaxia Vol. 2” es una continuación digna, muy llevadera y con estilo. Peca de algo de exposición narrativa, algunos personajes subdesarrollados y humor forzado que, por momentos, no convence del todo. Buena acción. Para disfrutar con amigos, morfi y birra. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 30/08/2017 07:56:35 am - Puntaje: 14 
Y esto es todo el Game of Thrones que vamos a tener hasta, posiblemente, el año 2019, cuando llegue la octava y última temporada. En la mesa no queda mucho más que alguna que otra teoría de fans dando vueltas (como el hecho de que, de algún modo, Bran podría ser el Rey de la Noche, gracias a la habilidad del Cuervo de Tres Ojos para viajar en el tiempo). The Dragon and the Wolf, el séptimo y último episodio del año, fue un clásico cierre de temporada. Luego de los intensos eventos del capítulo anterior, en aquella travesía loca al norte para conseguir a un muerto vivo para Cersei, el desenlace resultó ser el episodio más largo de la serie (80 minutos) y con mucho más diálogo que cualquier otra cosa. [image]http://cdn.images.express.co.uk/img/dynamic/20/590x/secondary/Sansa-Stark-and-Littlefinger-92
3665.jpg[/image] Creo que la temporada 7 tuvo sus puntos altos, sin duda. Sin embargo, la sentí como una secuela directa de su año anterior. La tendencia que comenté durante el análisis de la sexta temporada es más marcada ahora: la creciente pérdida de realismo, las inconsistencias geográficas (con personajes que se trasladan por Westeros a velocidades imposibles), las inconsistencias narrativas, etc. Game of Thrones es ahora un fan-fiction (lo viene siendo desde mitad de la quinta temporada). El simbolismo en la muerte de Littlefinger La muerte de Littlefinger era el momento más esperado de la serie desde que Joffrey se atragantó con el veneno de la Reina de Espinas. No resultó una gran sorpresa (nada en el capítulo final realmente lo fue) y representó otro de los momentos “para fans” a los que el show nos (mal)acostumbró en los últimos años. Todo lo que sucedió este año en Winterfell, con las miraditas de Littlefinger, sus juegos obvios y poco sutiles, y el melodrama entre Sansa y Arya que podría haberse resuelto con tres minutos de conversación, me pareció lo más flojo de la temporada 7. [image]http://staticr1.blastingcdn.com/media/photogallery/2017/2/10/660x290/b_586x276/game-of-throne
s-season-7-spoilers-littlefinger-and-the-starks-screencap-zurik-23m-via-youtube_1138735.jpg[/image] Personajes que supieron ser muy ricos, y que vivieron cosas tremendas a lo largo de varios años (aprendiendo lecciones invaluables) parecieron protagonistas de Gossip Girl gracias a los guiones tontos–sin una base en el material fuente– del equipo creativo. Hoy la serie está plagada de personajes con “armadura narrativa”, y los días de “cualquiera pueda morir” terminaron hace rato. Ni siquiera Tormund o Gendry creo que vayan a morder el polvo antes de hacer lo que se supone que tienen que hacer (según el manual de las series de televisión). Es decir, reencontrarse con Brienne y Arya respectivamente. La serie es, ahora más que nunca, un show tradicional de la televisión, cuando supo ser algo completamente diferente. Vi la primera temporada de GoT cuando nadie la conocía (y nadie daba dos mangos) y me voló la cabeza. Recuerdo haber charlado con mi viejo y los dos decíamos: “che, qué buena primera temporada, la puta madre”. Las cosas siguieron para bien durante varios años. Ya para la tercera, todos veían GoT (con mi mujer la volvimos a comenzar desde el principio para ponerla a ella al día). Y el desencanto llegó a mitad de la temporada 5 cuando todos, incluso los espectadores más casuales, comenzamos a notar que la serie perdía su esencia. Menciono esto porque creo que la muerte de Littlefinger fue algo grande, pero también tradicional. No fue una Boda Roja, ni una Boda Púrpura. No fue la decapitación de Ned Stark. Es un hecho notable porque el pícaro de Petyr Baelish estaba dando vueltas desde el episodio piloto, y es el villano al que podemos hacer responsable de disparar el conflicto más atractivo del show. Excepto que no es el culpable de todo, como Sansa dijo. Hay dos personajes cuyas tramas no tuvieron absolutamente nada que ver con las manipulaciones de bigote. Jon Snow (perdón, Jon Sand… no… Aegon Targaryen) tuvo un sendero del héroe en su lucha en el Norte contra los salvajes y luego contra el Rey de la Noche. Y Dany conquistó Essos. En realidad, estuvimos viendo tres series paralelas dentro de una misma serie: 1.- La canción de Hielo => Jon Snow y su lucha en el muro. 2.- La canción de Fuego => Daenerys y su lucha en Essos. 3.- El juego de tronos, o la “Guerra de Littlefinger” => todo lo demás. El juego, esa intriga política tan picante de arreglos secretos, murmuros, traiciones y alianzas, es lo que a muchos realmente los llevó a amar Game of Thrones. Mientras tanto, Jon y Dany fueron pistolas de Chejov, no terminarían de cumplir su rol en la historia hasta volver al centro de la acción (y no morirían en el proceso). Sabíamos que nada les iba a suceder aunque la cosa se complicara en serio o aunque Jon estuviese literalmente muerto. Cuestión que las tres historias se fusionaron cuando Jon cabalgó al sur y Dany navegó hacia el este. Como Jon Snow dijo: «Only one war matters—and that war is here.» En otras palabras: llegó finalmente la Canción de Hielo y Fuego. El Juego de Tronos terminó. Esto deja al pobre Littlefinger en un problema grave, porque aquel juego de manipulaciones es el único que conoce. En la temporada siete se lo vio perdido, descentrado, como cuando un buen jugador pierde la magia y no sabe cómo recuperarla. (No lo culpo a él, sino a los escritores que no le encontraron la vuelta a su personaje). Littlefinger fue sólo una sombra de lo que supo ser antes, lo cual me enferma porque sus juegos mentales eran demasiado obvios y nunca entendí por qué estuvo toda la temporada en Winterfell haciendo nada. La cuestión es que, desde una perspectiva narrativa, era hora de que Littlefinger se fuera, y siempre estuvo claro que sería alguna de las Stark quien lo invitara a retirarse. Su muerte nos habla también de la muerte del show como drama político inspirado en la edad media. Sólo nos queda la fantasía más pura, la batalla contra Caminantes Blancos, zombies y dragones de hielo. Ya no hay lugar para más conspiraciones. [link]Acá va el link[/link][anchor_text]Link a la nota completa[/anchor_text] Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 31/08/2017 11:01:58 am - Puntaje: 12 
#ElGuardiánInvisible (2017) Género: thriller / policial Calificación: 7/10 Una agente de policía regresa a su pueblo natal para confrontar a un violento asesino serial y, en paralelo, enfrentarse con los fantasmas de su propio pasado. [image]http://s3-eu-west-1.amazonaws.com/abandomedia/db/poster/db_posters_38359.jpg[/image] [link]https://youtu.be/ONnr5_un0Qg[/link][anchor_text]Trailer de “El Guardián Invisible”[/anchor_text] La adaptación cinematográfica de la primera novela de la “Trilogía del Baztán”, de Dolores Redondo, es un muy buen thriller policial que genera una atmosfera asfixiante y tétrica durante toda su duración. Aunque la película no escapa de los clásicos thrillers policiales que ya se vieron antes, es interesante cómo el director Fernando González Molina logró ensamblar las dos historias paralelas (el caso del asesino y la infancia de la protagonista) con mucha fluidez. El conflicto se dispara desde la primera escena, cuando en los márgenes del río Baztán aparece el cuerpo desnudo de una adolescente en circunstancias que relacionan ese crimen con un asesinato ocurrido un mes atrás. Lo atractivo de la historia es que todo ocurre dentro del pequeño pueblo de Elizondo, una tierra fértil en supersticiones y brujería. La película toma algunos sutiles giros fantásticos, pero no demasiados para arruinar la verosimilitud de la historia ni engañar al espectador con trucos. Se trata de una película muy gráfica, con algunos momentos que pueden resultar perturbadores para los más sensibles. En particular, los flashbacks de la infancia de la inspectora Amaia Salazar son tremendos, y quedan pegados a la mente mucho más que los asesinatos. Gran actuación de la actriz que interpreta a la detective de chiquita. Un dato de color –que no impide en lo absoluto que uno pueda disfrutar del relato – tiene que ver con la polémica que se generó al momento del estreno. Dos de sus actores (Miren Gaztañaga y Joseba Apaolaza) insultaron a toda España en una entrevista, boqueando que el país era “culturalmente retrasado”. Eso generó la bronca de muchos que se indignaron y decidieron directamente no apoyar la película en los cines. Más allá de aquello, si te gustan los thrillers españoles al estilo “La isla mínima” (2004) o “Mientras duermes” (2011), “El guardián invisible” te va a resultar una agradable (y tensa) experiencia cinéfila. =>> CONCLUSIÓN: Si bien se amolda a los cánones tradicionales del thiller criminal, es una película con un clima absorbente y un trabajo técnico impecable. No te va a cambiar la vida, pero sí entretiene con una historia de calidad y bien armada. Está en Netfilx. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 13/11/2017 12:46:40 pm - Puntaje: 12 
#WindRiver (2017) Género: policial / neo-western Calificación: 8/10 Ópera prima de Taylor Sheridan. Una agente del FBI se une a un veterano rastreador local para investigar el peculiar asesinato ocurrido en una reserva de nativos americanos. [image]http://es.web.img3.acsta.net/pictures/17/05/27/00/20/511025.jpg[/image] Trailer de “Wind River” [youtube]https://youtu.be/-KnQc2NTsXw[/youtube] “Wind River” es uno de los policiales más interesantes del año, y es una lástima porque pasó bastante desapercibida. Se trata de la primera película dirigida por Taylor Sheridan, quien en el pasado se destacó como guionista de películas como “Sicario” y “Hell or High Water”, dos que disfruté un montón Por lo que se ve, el guionista/director tiene pasión por el género del western, ya que sus películas, si bien enmarcadas como policiales contemporáneos, tiene una clara influencia del género. Además le gusta contar historia sobre los marginados en los lugares más remotos, un tópico que ya tocó en trabajos anteriores también. En sus argumentos las líneas entre el bien y el mal están muy borrosas y el ambiente es salvaje, otro protagonista más. Acá el pequeño pueblo nevado de Wind River se tiñe de sangre con este obra muy del estilo de Stieg Larrson. La trama se toma su tiempo para desarrollarse y no deja lugar a cursilerías (algo que aplaudo). Todo el climax final es brillante, con una de las más grandes escenas de acción del año y un par de momentos no aptos para sensibles. El dúo protagonista realmente se luce. Elizabeth Olsen ha crecido un montón en el último tiempo, si bien la verdadera estrella es Jeremy Renner, quien brinda una de las mejores interpretaciones de su carrera. Es atractiva también la manera en que se trabajan las problemáticas sociales del pueblo aborigen en Estados Unidos, un aspecto que prácticamente no tiene precedentes en este tipo de cine. Destacables la dirección y la fotografía, si bien el punto fuerte está en el suspenso que se genera. El misterio policial es más bien clásico (y su resolución quizás es el punto menos logrado) pero la intriga y la tensión se mantienen en creciente aumento hasta un explosivo final. La película carga y carga hasta que, finalmente, estalla. =>> CONCLUSIÓN: un thriller de suspenso muy logrado que pone en el primer plano las relaciones entre los personajes. Guión inteligente, de cocción lenta, si bien sencillo. Quizás la película no deslumbra especialmente, pero es intensa y visceral. Para ser apreciada por los amantes del género. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 18/07/2017 07:21:43 am - Puntaje: 11 
#DieWelle (2008) Género: drama / suspenso Calificación: 8/10 ¿Es posible que se genere una dictadura totalitaria durante una democracia? Para responder a la pregunta, un sencillo profesor de secundaria propone un experimento social en su clase. Las consecuencias terminan siendo catastróficas. “Die Welle” (La Ola) es un relato tremendo basado en la historia real de un profesor americano (Ron Jones). La premisa se plantea como un juego durante un seminario de Autocracia, donde el profesor quiere ponerle picante llevando las ideas de las políticas absolutistas a la práctica. La clase arranca votando por un líder (el mismo profesor Reiner), adoptan un nombre (La Ola), construyen un logo, un saludo, diseñan su uniforme y comienzan a ejercitar consignas del tipo “el poder a través la disciplina” y “el poder a través la fuerza”. Gracias a ello, todos los que participan se sienten contenidos dentro de una comunidad que los cuida, especialmente aquellos que siempre se quedaban afuera de todos los grupos. La película parece recorrer el camino inverso de “American History X”, y logra sumergirte en el submundo que crea gracias a una narración fascinante. Para cuando Reiner se da cuenta de que las cosas se le fueron de las manos, es demasiado tarde. Lo que empieza como un juego que transcurre solo dentro del aula, se convierte en un “movimiento” que trasciende hacia la misma ciudad. Un aspecto interesante de “Die Welle” es que cada protagonista representa a un estrato social diferente. Si el profesor es quien crea la opinión y pone las reglas, Marko es la figura intermedia que marca a la clase media indecisa que se deja llevar. Tim es el inadaptado, el débil, quien encuentra aceptación (finalmente) dentro del grupo. Por último, Karo es la personalidad rebelde, combativa, con una visión más crítica de lo que está sucediendo. El resto de los alumnos son el pueblo como una masa, el pueblo sumiso y conformista, sin opinión ni crítica. =>> Creo que “La Ola” es esencial desde lo pedagógico. El director narra su metáfora con ritmo y convicción, y presenta la información de forma visceral. La película funciona porque los personajes son muy identificables y la denuncia política está presente si bien nunca se hace evidente o expositiva. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 20/07/2017 09:45:57 am - Puntaje: 11 
#Contratiempo (2017) Género: thriller / suspenso Calificación: 8/10 Un exitoso empresario despierta en la habitación de un alejado hotel junto al cadáver de su amante. Acusado de asesinato, contrata los servicios de Virginia Goodman, la mejor preparadora de testigos del país. Así, asesora y cliente trabajan juntos para hallar una verdad que lo libre a él de la cárcel. Lisa y llanamente, “Contratiempo” es uno de los thrillers más ingeniosos que van a salir este año. Esta película española nos lleva por una atmósfera asfixiante y llena de vueltas hasta un desenlace tan sorprendente como escalofriante. Iniciándose con dos personas hablando en una habitación, y dispuestas a desenredar un complejo misterio, la película funciona como una suerte de policial dramático que combina el whodunnit de Agatha Christie con los misterios de tipo “cuarto cerrado” (¿cómo hizo alguien para ingresar a un cuarto herméticamente cerrado, matar y luego volver a escapar?). Si bien parece DEMASIADO inspirada en películas como la emblemática “Los Sospechosos de Siempre” (1995, Brian Singer) o incluso los recursos narrativos de la franquicia de “El Juego del Miedo”, esta producción no da respiro y te lleva por un viaje inesperado de muertos en el ropero, pistas ocultas y riesgos mortales. Todos los actores hacen muy bien su trabajo, aunque quienes destacan especialmente son Mario Casas y José Coronado. Particularmente, este último repite una impecable interpretación como lo hizo en “El cuerpo” (2012), otro gran thriller español del director Oriol Paulo. Como relato de suspenso, “Contratiempo” funciona especialmente por el cuidado en la creación de la atmósfera (las rutas desoladas, el hotel a lo Kubrick) y la especial atención al detalle. El final (o, más bien, los múltiples giros del final) puede llegar a descubrirse si uno presta atención a las varias pistas que se van dejando a lo largo del desarrollo. Los detractores de este tipo de historias seguramente le busquen el pelo al huevo, acusándola de fantasiosa, demasiado enredada y con abusos de la voz en off y el flashback. Es cierto que las cuestiones narrativas a veces se presentan como apresuradas y poco realistas, pero es innegable el sutil uso de la tensión dramática. ==> Todos y cada uno de los escenarios por donde se mueve “Contratiempo” están muy estéticos y reflejan una pasión por el género. Es un rompecabezas interesantísimo que te va a mantener adivinando desde el primer minuto, un policial astuto ideal para los amantes de los buenos misterios. <= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 25/07/2017 09:18:49 am - Puntaje: 9 
Paulkaraoke escribió: Dónde puedo encontrar las que hicieron para verlas?
Necesito más bolitas para poder subir las imágenes y videos...

Mensaje escrito por lucianosivori el 02/08/2017 02:10:57 pm - Puntaje: 9 
#Dunkerque (2017) Género: thriller bélico / suspenso Calificación: 8,5/10 Basada en hechos reales, la película relata la supervivencia de soldados ingleses que quedan rodeados por el ejército alemán en las playas de Durkenque (Francia). Se monta un operativo arriesgado, la Operación Dínamo, para asegurar su rescate. [image]http://www.fotogramas.es/var/ezflow_site/storage/images/media/imagenes/recursos/dunkirk-poste
r/122643412-1-esl-ES/dunkirk-poster_reference.jpg[/image] [link]https://youtu.be/2lYKFPLlx3c[/link][anchor_text]Trailer de “Dunkerque”[/anchor_text] En su trabajo más atípico y experimental, el director Christopher Nolan logró afianzar el hecho de que es uno de los realizadores más visionarios de nuestros tiempos. Acá no se basa eb adaptaciones de historias cortas o cómics, sino en un hecho histórico muy concreto. “El milagro de Dunkerque” fue el nombre con el que se bautizó a la llamada Operación Dínamo, una durante la cual más de trescientas mil tropas francesas, británicas, belgas y canadienses lograron escapar de la invasión alemana desde las playas cercanas a Dunkerque, entre el 29 de mayo y el 4 de junio de 1940. Nolan investigó muchísimo el evento y logró crear una representación fílmica muy fiel que funciona más como un thriller de supervivencia que como una película bélica en sí. No le pudo escapar a ciertas polémicas, por ejemplo el hecho de obviar la participación francesa en el conflicto, pero aun así el resultado es verdaderamente impresionante. Con maestría visual y muy escasos diálogos, “Dunkerque” es intensa y visceral de principio a fin. Ayuda mucho que no extiende el conflicto y dura lo justo, poco más de hora y media (convirtiéndose en una de las cintas más cortas de Nolan, junto a su ópera prima “Following”). Tiene un pulso dramático incomparable, mucha precisión detrás de cámara y una brutal sinceridad para relatar la situación. La cinta nos pone directamente en el centro del miedo y del conflicto, narrando una historia fuerte y emotiva. Dos cuestiones son especialmente destacables en “Dunkerque”, separándola del resto de su tipo. La primera es el enemigo invisible que presenta. No se ven soldados alemanes, sólo nos percatamos de su presencia implacable por los tiros, torpedos y bombardeos. Son casi como una amenaza sobrenatural. Este gran acierto ayuda a lograr ese sentimiento de claustrofobia y miedo en el espectador, quien puede simpatizar mucho más con los pobres soldados atrapados. Luego tenemos el interesantísimo uso del tiempo. La arriesgada –y hasta radical– estructura narrativa eleva a este guión directo y simple en algo bastante más jugado. Básicamente, la trama se cuenta desde tres puntos de vista. Durante su investigación Nolan descubrió que los soldados en tierra estuvieron varados una semana, los civiles que fueron en embarcaciones a salvarlos viajaron un día, y los aviones tenían combustible para una hora. Por ese motivo, separó las tres narrativas con tres líneas temporales que se interconectan. Ni hablar de las actuaciones, que en la película son todas impecables, inclusos las más pequeñas. Los novatos hacen un trabajo tan memorable como los actores más experimentados. Banco especialmente las participaciones de Cillian Murphy (un favorito personal), Mark Rylance y Tom Hardy, los tres muy correctos. =>> EN CONCLUSIÓN: “Dunkerque” es una obra exquisita que seguramente destaque entre las mejores películas del 2017. La disfruté mucho incluso sin ser fan del cine bélico. Un sobresaliente en dirección, actuación, cinematografía y banda sonora (la música de Hans Zimmer tiene un rol clave). Una película para disfrutar en el cine. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 19/09/2017 09:07:15 am - Puntaje: 7 
Siempre pense lo mismo sobre De Caro, el chabón es muy mal entrevistador porque interrumpe, tapa y no permite al entrevistado explayarse. Va más allá de ser un friki (lo es, en algún punto), el chabón es muy ansioso, detesto sus entrevistas. Y encima es una lástima, porque siempre trae a gente copada.

Mensaje escrito por lucianosivori el 25/07/2017 03:10:10 pm - Puntaje: 5 
Paulkaraoke escribió: Creo que de chico quedé marcado con Robotech. Diría que en ciertos aspectos fue hasta traumático. Porque los pasaban como dibujitos animados para chicos, pero en realidad eran para televidentes de mayor edad. Un día te encariñabas con un personaje y al otro día lo mataban en la guerra. Nada que ver con los de G.I. Joe donde había acción, pero era bien infantil, nunca moría ningún personaje y estos eran exagerados, muy estereotipados.
Claro, me pasaba lo mismo. Es una serie bastante madura en ese sentido. Robotech te mataba a tus personajes favoritos antes que George R.R

Mensaje escrito por lucianosivori el 01/09/2017 11:14:41 am - Puntaje: 5 
#LaTorreOscura (2017) Género: fantasía / sci-fi / acción Calificación: 5.5/10 El último pistolero, Roland Deschain, ha estado atrapado en una interminable batalla contra Walter Padick, el Hombre de Negro, quien está determinado a destruir la Torre Oscura que sostiene a todos los universos. [image]http://cdn.movieweb.com/img.teasers.posters/FIMVKMMQcodiQR_375_a.jpg[/image] [link]https://youtu.be/ONnr5_un0Qg[/link][anchor_text]Trailer de “La Torre Oscura”[/anchor_text] ¡Otra víctima de las malditas adaptaciones americanas! El 2017 será recordado como uno de los peores años en materia de adaptaciones: “Ghost in the Shell”, “Death Note”, “Valerian and the City of a Thousand Planets”, “The Circle”, “King Arthur”. A esa extensa lista me duele tener que sumar a la Torre Oscura. Pobre Stephen King. Hollywood parece nunca poder comprender la esencia de sus trabajos. La saga de “La Torre Oscura” es una aventura épica que fusiona western, fantasía, terror, el mito artúrico y muchos otros géneros repartidos en 8 extensos libros y varias novelas gráficas (yo todavía no terminé todo, pero estoy en eso). En su lugar, la película es muy corta (apenas 95 minutos) y te deja sabor a poco. Carece de peso, está apurada y tiene un argumento trillado que convierte a los protagonistas de la saga en seres unidimensionales, apenas una sombra de lo que son en realidad. OJO. No llega a los niveles paupérrimos de la adaptación de “Death Note”, y sí admito que es muy llevadera. No me aburrí en ningún momento, tiene un par de escenas entretenidas y los primeros 20 minutos son impecables. El trío de actores está muy bien. McConaughey es un buen Hombre de Negro, convence con su interpretación. El problema es que ese personaje NO ES el de los libros, y el actor hizo lo que pudo con el guión que tenía. Me gustaron mucho Idris Elba y Tom Taylor como El Pistolero y Jake Chambers. A Jake le modificaron la historia de origen para bien, y sus momentos de conexión con Roland están logrados. Lástima que sean tan esporádicos. El problema con la película es que es tan superficial, tan sencilla, que apenas termina siendo satisfactoria para un espectador casual que no sabe (ni le importa) el trasfondo literario de la obra. La fui a ver con un amigo fanático (que ya completó la saga) y él salió mucho más enojado del cine. Supongo que, en casos como éste, la ignorancia es una bendición. Con el conocimiento que tengo de la historia (hasta ahora leí el primer volumen del cómic y los dos primeros libros) ya me di cuenta de que han metido muchísimos elementos en una batidora y los mezclaron para hacer un trago que pudiera agradar a la mayoría. Por ejemplo, las escenas de acción, si bien son muy “cool”, no dejan de ser un robo a Matrix o a John Wick. Les falta creatividad y ya las hemos visto antes. Por más que Roland encuentre cada vez mejores formas de recargar sus revólveres, la historia es la clásica lucha entre el bien y el mal en un mundo paralelo al nuestro. En su lugar, la obra de King tiene muchos más matices y una mitología por detrás que es fascinante. Cuando terminás de ver la película, no te quedan claras las motivaciones del villano, el funcionamiento de los portales, qué paso en el Medio-Mundo, quiénes son los pistoleros, qué hace la Torre y por qué Lagertha de Vikings está tan fuerte. Lo cierto es que, después de tantos años de estar en producción, “La Torre Oscura” es increíblemente promedio. Una aventura de fantasía tan descartable que parece increíble que haya estado en desarrollo desde el 2007. Especialmente considerando el increíble material fuente que existe, es lamentable que el resultado sea algo que no logra trasladar las motivaciones, personajes y temáticas de la obra a la pantalla grande. La sufrida película de Nikolaj Arcel apenas toca la superficie de la mitología. Es como si el equipo creativo hubiera leído el resumen de Wikipedia y no investigó mucho más. =>> CONCLUSIÓN: “La Torre Oscura” es una carcasa que se ve bien por fuera, pero que está vacía por dentro. Faltó tiempo para desarrollar ese fascinante nuevo mundo y explorar mejor la dinámica entre personajes. Es un trabajo que apunta demasiado al espectador casual que únicamente busca apagar el cerebro durante una hora y media con una aventura tradicional. A lo mejor la serie de televisión tenga un mejor tratamiento. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text] Más sobre “La Torre Oscura” en mi blog. [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2017/05/analisis-del-trailer-de-la-torre-oscura.html[/
link][anchor_text]Análisis (y hype) del primer trailer.[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2016/05/la-torre-oscura-i-el-pistolero-1982.html[/link
][anchor_text]Análisis de La Torre Oscura (I): El pistolero.[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2017/06/analisis-torre-oscura-ii-la-llegada-de-los-tre
s-stephen-king.html[/link][anchor_text]Análisis de La Torre Oscura (II): La llegada de los tres.[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 21/10/2017 01:56:31 pm - Puntaje: 5 
#Evangelion 1.0: You Are (Not) Alone (2007) Género: animé / mecha / drama psicológico Calificación: 8/10 Reconstrucción del emblemático animé “Evangelion”. El destino del mundo es amenazado por entidades monstruosas conocidas como Ángeles. NERV es la única organización con las herramientas necesarias para enfrentarlas: jóvenes pilotos que deben subir a gigantescos robots conocidos como EVA´s. [image]http://1.bp.blogspot.com/_d2eBY9yF6m4/SGNaabceFCI/AAAAAAAADcU/IokL3Ya57kM/w1200-h630-p-k-no-n
u/Evangelion+%281%29.jpg[/image] Trailer de “Evangelion 1.0” [youtube] https://youtu.be/Q3_PS6xa9Uw[/youtube] Hay rumores cada vez más fuertes de que la cuarta entrega de esta saga de películas que reinician la serie podría salir (finalmente) el año que viene. Mientras tanto tenemos que conformarnos con las tres disponibles hasta ahora. De todas ellas, la primera, “Evangelion 1.0: You Are (Not) Alone” es la que más se acerca al animé original (uno de mis grandes favoritos), adaptando los primeros seis capítulos de la serie (un 25% aproximadamente) y realizando cambios más por el costado técnico que a nivel argumental. Las diferencias con el animé son sutiles, si bien tienen algunas implicaciones importantes para la serie como un todo. Lo que sí es cierto es que visualmente se ve increíble, y disfruté un montón de la historia. Un aspecto interesante (no me animo a decir si positivo o negativo) es que la película tiene un foco mucho más fuerte en la acción que la serie. Hay grandes y vistosas batallas, mientras que el animé las cortaba por cuestiones de presupuesto y porque –siendo honestos– la serie va más por otro lado. En “Evangelion 1.0” el conflicto interno del maricón de Shinji sigue presente, pero se las ingeniaron para volverlo un personaje más fuerte, menos llorón y muchísimo más identificable. Esto es gracias a que los tiempos muertos en la película son mucho menores, el protagonista tiene más ímpetu (no se la pasa corriendo ni quejándose tanto) y algunos cambios chiquitos lo volvieron un personaje más simpático. Un ejemplo claro (que espero no sea spoiler) es que acá el Eva nunca se mueve por sí solo para salvar a Shinji, lo cual hace que sea él mismo quien elija tomar la responsabilidad de pilotear el Eva y ayudar a Rei, sin saber que su robot lo va a asistir en caso de verdadero peligro. La climática batalla final contra el sexto ángel, de hecho, es muy superior al animé (es la única porción que noté extendida respecto a la serie) y funciona a la perfección para darle un cierre redondo a las temáticas que busca exponer esta primera película respecto a la soledad, la importancia de las decisiones y la responsabilidad. Otro punto destacable es el hecho de que la ciudad se encuentra mucho más en ruinas, y el escenario se ve más caótico. Todos los ríos están contaminados, la mayoría de la vida marítima ha muerto y las ciudades están desoladas. Hay otras adiciones entretenidas que suman misterio a la historia desde el principio, como mostrar a Lilith o a Kaoru (¡en la luna!) mucho antes de cuando pasa en la serie. =>> CONCLUSIÓN: Sigo recomendado el animé por sobre las películas, al menos en una primera vuelta. Pero para quienes ya lo hayan visto, “Evangelion 1.0” es una experiencia muy disfrutable. Tiene gran ritmo (mejor que la serie, sin duda), desarrolla mejor al personaje de Shinji (no tanto así a los demás, por cuestiones de tiempo) y trabaja con solidez el primer arco argumental de la serie, sin dejar demasiadas cosas afuera. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]
------------------------------------------------------------------------

Mensaje escrito por lucianosivori el 23/10/2017 09:54:13 am - Puntaje: 5 
Illuminauta escribió: .Como se diría vulgarmente... De Política, de fútbol y de religión no se habla... Le incluiría Evangelion porque es muy debatible y mas aun si estas con algunos tragos de mas
Al final somos varios los fans de Evangelion por acá. Vi las tres películas, sigo quedándome con la serie y End Of Evangelion. Yo creo que hay dos grandes tipos de personas: 1) Los que vieron Evangelion y lo aman. 2) Los que todavía no vieron Evangelion, por lo tanto todavía no lo aman.

Mensaje escrito por lucianosivori el 27/07/2017 01:47:14 pm - Puntaje: 4 
El thriller psicológico Tenemos que hablar de Kevin (2011) es una de las películas más impactantes de los últimos años. Y lo más triste es que ni siquiera es tan conocida (tip para la vida: está en Netflix). Eva, la madre de Kevin, se esfuerza por querer a su particular hijo a pesar de las cosas perversas y oscuras que hace. La historia explora una temática fascinante: ¿fue Kevin una semilla podrida desde el vamos, o sus acciones se corresponden con una mala crianza? #SpoilerAlert. Se revelan algunos detalles de la trama, si bien voy a evitar contar el brillante final. El eterno debate Inspirado en El origen de las especies de Charles Darwin, el científico británico Francis Galton (que era su primo, por cierto) acuñó por primera vez al término de lo “innato”. Buscaba entender si nuestros trastornos emocionales, personalidad y comportamiento tienen un origen genético (de nacimiento) o si son producto del medio social en el cual se desenvuelven. Hoy se sabe que ambos tipos de factores (ambientales y hereditarios) interactúan en el desarrollo de un individuo y forman parte una red muy compleja. Entender qué contribuye más a la personalidad (la herencia o el ambiente) es equivalente a preguntarse qué contribuye más al área de un rectángulo (su largo o su ancho). Sin embargo, el debate sigue existiendo, y las posturas suelen ser muy extremas. El origen del mal en Tenemos que hablar de Kevin La película es una adaptación de la novela homónima que Lionel Shriver escribió en el 2003. La gran diferencia es que el libro tiene una estructura epistolar (son cartas que Eva le envía a Franklin, el padre de Kevin) mientras que el largometraje adoptó una narrativa de flashbacks que van y vienen en el tiempo. La directora, Lynne Ramsay, utilizó un paralelismo entre escenas muy delicado donde prevalecen una serie de símbolos: el color rojo, la yuxtaposición de miradas, los mismos lugares mostrados en diferentes tiempos, etc. Ninguna escena está desperdiciada en esta película repleta de sutilezas. La mayor de estas sutilezas, la más exquisita, es la ambigüedad con la que se trabaja el origen del mal. Desde las primeras escenas entendemos que Kevin cometió un acto de violencia extrema. ¿Pero se convirtió en un asesino porque la madre no lo quiso lo suficiente, o era un psicópata desde el primer momento? La historia nos balancea –con maravillosa tensión– hacia un lado y hacia otro. ¿Puede ser culpa de Eva (soberbia a actuación de Tilda Swinton) que nunca quiso ser madre? ¿Qué no tuvo la suficiente paciencia? Ella tuvo que renunciar a su carrera (que adoraba) y a su libertad. A lo mejor, Kevin siempre supo que su madre nunca lo quiso. O, quizás, fue una mala semilla. Algunas personas nacen diabólicas. Punto. Franklin es otro de los agentes en esta historia. El padre de Kevin consideraba a su hijo como un buen chico no lo criaba, sino que quería ser su amigo. Franklin nunca apoyó las acciones que Eva tomaba para corregir la conducta de Kevin. Hasta le regaló el arma asesina: el arco y flecha (y lo incentivó a aprender a dispararlo). La película perturba e hipnotiza en partes iguales. La mayoría de estas historias (pensemos en Elephant, de Gus Van Sant) se enfocan en el asesino. En un hábil giro argumental, acá la mirada está puesta sobre la familia del asesino. Incluso la masacre en sí nunca se muestra del todo. Vemos el efecto de la misma, vemos las consecuencias, el antes y el después del crimen. Un círculo de destrucción Una de las escenas claves en Tenemos que hablar de Kevin es cuando Eva decora su cuarto. Lo empapela con mapas que representan su pasión por los viajes (y también nos habla de cómo ella extraña lo que alguna vez fue). Entonces llega un pequeño Kevin y dice que eso es “tonto”. Eva le dice que ella puede decorarle su cuarto para que represente su personalidad. Kevin, enojado, replica: “¿Qué personalidad?”. Da la impresión de que no tiene una identidad formada y positiva sobre él mismo, está perdido, confundido. Más tarde destroza el cuarto de Eva (y su empapelado) con una pistola de pintura. Eva, embroncada, destruye la pistola de pintura. La escena es fundamental para entender que ambos están girando frenéticamente en un círculo destructivo y sin control en el que uno progresivamente responde con más fuerza que el otro. Cada momento de la película acumula y agrega información sobre la disfuncional relación entre madre e hijo. Hay quienes afirman que Kevin vino “mal de fábrica” y que tenía una relación edípica con la madre (algo que cobra sentido, especialmente, luego del desenlace). Otros concluyen que Kevin fue víctima de padres negligentes. Si bien Eva gradualmente se vuelve mejor madre, nunca termina de abrazar la maternidad. Mientras tanto, el padre (John C. Reilly) peca de no interesarse nunca en su educación y su conducta, es desinteresado e indiferente. El verdadero origen del comportamiento de Kevin (un fantástico Ezra Miller) polarizó a la audiencia. Y lo mejor que hace la cinta es nunca respondernos el interrogante. Es, sin duda, una historia que te deja pensando y pensando. Oscura, tenebrosa, existencial, psicológica. No cabe duda de que, en el futuro, los psicólogos y científicos van a continuar debatiendo la idea de la naturaleza vs. el medio, seguramente mientras vuelven a mirar Tenemos que hablar de Kevin. Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]