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Los mejores comentarios de lucianosivori

Mensaje escrito por lucianosivori el 19/09/2017 09:05:31 am - Puntaje: 57 
Adios, Emmanuelle.

Mensaje escrito por lucianosivori el 11/09/2018 10:21:18 am - Puntaje: 40 
Lleno de sorpresas, secretos y desafíos, este proyecto fan-made que reimagina al DOOM como un juego de plataformas 2D merece mi más alta recomendación. Si MiniDoom fue un excelente y nostálgico homenaje 2D al clásico Doom, entonces MiniDoom 2 ya es un juego en sí mismo que logró distanciarse de su predecesor. Lleno de sorpresas, secretos y desafíos, este nuevo proyecto fan-made de los chicos de Calavera Studio es superior en todo sentido y uno de los mejores juegos indie que tuve la posibilidad de conocer este año. ¿Y lo mejor de todo? Es completamente gratuito. [image]http://thegg.net/wp-content/uploads/2018/03/minidoom-2-boss-fight.jpg[/image] MiniDoom 2 responde a la pregunta de qué sucedería si Doom fuera un plataformero (al mejor estilo Contra o Metal Slug) en lugar de un FPS. Así, reimagina la franquicia como un juego de plataformas retro en 2D que mezcla toda la magia del original con un soundtrack de heavy metal alucinante. Disfruté muchísimo de esta segunda parte que hace todo realmente bien. Es colorido y divertido, tiene un total de 17 niveles (entre los que se incluyen unos muy copados niveles de bonus), 14 armas, upgrades, artefactos misteriosos, 4 modos de juego y 5 niveles de dificultad. No es tan común encontrarse con un proyecto de tanta calidad –tan completo y detallado– que pueda descargarse de forma gratuita en Internet. Pueden descargar el juego en [link]https://calavera.studio/es/juegos/minidoom2/[/link][anchor_text]este link[/anchor_text] FUENTE: [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com/2018/09/analisis-review-minidoom-2.html[/link][anchor_tex
t]Reseña completa de MiniDOOM 2[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 22/09/2017 08:46:15 am - Puntaje: 23 
#IT #Eso (2017) Género: terror / drama / coming-of-age Calificación: 8,5/10 Un grupo de chicos que se consideran “perdedores” se unen contra Pennywise, un demonio cambia-formas que toma la apariencia de un payaso –entre otras cosas– para cazar a los más jóvenes del pueblo de Derry. [image]http://www.insidethemagic.net/wp-content/uploads/2017/03/it-teaser-poster.jpg[/image] [link]https://youtu.be/2CP1rjNRaJE[/link][anchor_text]Trailer de “IT”[/anchor_text] “IT” ya hizo historia dentro del cine convirtiéndose en la película de terror más taquillera de la historia y seguramente sea recordada en el futuro como una de las mejores adaptaciones de una obra de Stephen King, quien quedó muy satisfecho con el resultado. Se trata de una producción muy cuidada que tiene mucha más profundidad y aristas que otras películas de terror ya que trabaja con temáticas fuertes: la sexualidad, el abuso, la falta de supervisión adulta, el traspaso de la niñez a la adultez y la importancia de las amistades en la infancia. El director argentino Andy Muschietti tomó la excelente decisión de dividir la historia en dos, siendo esta primera parte enfocada exclusivamente en la primera lucha contra IT cuando todos son niños. Esto hace que la historia funcione más como un coming-of-age que tiene un poquito de los “Goonies” y otro poco de “Stand by Me”, dos clásicos infaltables del sub-género. Vale aclarar que la vibra “Stranger Things” se siente, pero esta película comenzó a concebirse siete años atrás, mucho antes de que siquiera existiera la idea para la serie de los hermanos Duffer. Sólo la primera secuencia, que reproduce con fidelidad el primer capítulo de la novela, alcanza para ver que se trata de un relato que quiere utilizar el terror para hablar de otra cosa. De hecho, si las vas a ver exclusivamente por los sustos, quizás te sientas un poco decepcionado. No es que no de miedo, sino que los momentos de terror –por momentos, muy bien logrados– en general se ven venir y no son el verdadero foco de la historia. Con esto no quiero decir que no los haya. Hay una gran cantidad de escenas muy impresionantes que fueron realizadas con maestría. El climax en las alcantarillas, la escena del baño de Beverly y la del garaje son tres que, por ejemplo, me gustaron mucho. Bill Skarsgård hizo un gran trabajo como Pennywise, aunque es una lástima que lo hayan adornado con tantos efectos especiales. Su presencia es imponente, entretenida y horrorizante. El resto del elenco (los siete del Club de los Perdedores) funciona muy bien, en parte gracias a la dirección de actores que brindó Muschietti (quien ya había trabajado con chicos en comerciales en Europa antes). Si tengo que elegir, quienes destacan especialmente son el alivio cómico Richie (Finn Wolfhard, quien luego protagonizó “Stranger Things”), el líder tartamudo Bill (Jaeden Lieberher) y Sophia Lillis como Beverly Marsh, una interpretación alucinante que captura al personaje literario a la perfección. Otro gran acierto de la película es cómo convierte a la ciudad de Derry en un protagonista. La idea de que todo el pueblo está maldito nunca fue tan cierta. Acá los adultos brillan por su ausencia, y los que vemos son detestables o directamente no se preocupan (como si estuvieran poseídos por IT). Este concepto es escalofriante y cierra bien con las temáticas que explora la película. Los cambios realizados respecto a la novela original son chiquitos y en general los apruebo. Los más importantes son, quizás, el cambio de época (la sección de los chicos de obra literaria toma lugar en 1958, mientras que la película lo hace en 1989) y la falta de la escena clave que explica el origen de IT (se dejó afuera por falta de presupuesto). Como adaptación literaria es muy fiel y logra tomar los elementos esenciales de la mayor obra de Stephen King. Una adaptación que, además, se beneficia por interesantes efectos especiales, un ritmo narrativo atrapante (sus más de dos horas de duración casi no se notan) y una buena capacidad de disparar múltiples lecturas. Estamos ante un nuevo gran clásico que balancea humor, drama, emoción y terror con mucha soltura. “IT” sabe cuándo asustarte, cuándo hacerte reír, cuándo ponerte nervioso y cuándo dejarte pensando. =>> CONCLUSIÓN: “IT” es un thriller muy sólido, aunque no tan aterrador. Si uno va con la expectativa de que sea la película de terror del año, sin duda se va a decepcionar. En cambio, quien la vea por su componente humano y dramático, creo que logró exitosamente adaptar la sencilla brillantez de la escritura de King. Tiene escenas muy recordables, grandes actuaciones y mucha creatividad visual. Altamente recomendada. <<= [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2013/08/it-eso-novela-1986.html[/link][anchor_text]Mi reseña de la novela “IT” (1986)[/anchor_text] Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 24/07/2017 01:28:20 pm - Puntaje: 22 
Qué paradójico que el elegido para llevar Robotech al cine live-action sea un director argentino, siendo que hace unos años se vivió una polémica en nuestro país por una remake inspirada en la serie de animé. Un grupo de argentinos fanáticos de Robotech (y oriundos de mi ciudad, Bahía Blanca) creó una inspirada remake de la serie japonesa que marcó la infancia de varios, sólo para encontrarse con problemas legales con quienes guardan celosamente los derechos. Ahora, tras los pasos de la película de terror Mamá y la nueva versión de IT, el director argentino Andres Muschietti va a llevar adelante la adaptación al cine de Robotech. Creo que hay algo bueno que está pasando en Hollywood: finalmente se le está dando espacio a realizadores latinoamericanos que comenzaron a destacar con grandes producciones: Alejandro González Iñárritu, Fede Álvarez, Damian Szifron (que está preparando la remake de El Hombre Nuclear). Y ahora también Muschietti. La larga espera del remake Robotech es uno de los animés de ciencia ficción que definieron la infancia de muchos. Toda una generación de chicos se reunía frente a la televisión para ver con entusiasmo las guerras intergalácticas entre humanos y seres del espacio. Si bien el aclamado animé recientemente llegó al gigante del streaming, hasta ahora no se han conocido remakes oficiales. Han ido saliendo algunas precuelas y spin-offs oficiales de la franquicia (en el blog hablé de Macross Zero: la precuela de Robotech) pero ninguna reinterpretación de la historia original. Sólo existen (y a docenas) cortos fanfics de personas obsesionadas con la historia. Entre ellos, un grupo de Bahía Blanca, Argentina, se juntó para realizar un largometraje inspirado en el animé: Robotech, proyecto Valkiria. ¡Aguantá! Vivo en un raviol… ¿qué es Robotech? Aunque no te guste el animé hay ciertos títulos que conocés –al menos debido a la ósmosis pop-cultural– y formaron parte de tu infancia: Los Supercampeones, Dragon Ball Z, Los Caballeros del Zodiaco. A ellos, inevitablemente, se suma Robotech, que la pasaban por Magic Kids y –durante un tiempito– en el canal Locomotion (que luego fue “Animax”). Los años ´80 fueron grandes para el animé. Gracias a Akira (1988), el mundo entero conocía las virtudes de este medio de ficción. También en 1987 llegaba esta serie que mezcló ciencia ficción, acción y melodrama de una forma única hasta el momento. Incluso tres décadas después, la saga de Robotech sigue siendo vigente a través de comunidades de fans, videojuegos, películas y, ahora, su relanzamiento en Netflix. Guerras intergalácticas Robotech relata el destino de la especie humana desde fines del siglo XX hasta mediados del siglo XXI, a lo largo de tres generaciones de héroes. Luego de que en el Pacífico Sur cae una gran nave alienígena, y ante el temor de una invasión extraterrestre a gran escala, se forma el Gobierno Unido de la Tierra. El ejército utiliza tecnología extraterrestre (la protocultura) para combatir en una serie de guerras contra diversas razas extraterrestres. La serie se hizo famosa por darle un énfasis especial a los protagonistas femeninos (que son tan importantes como los masculinos), presentar triángulos amorosos sin precedentes en la animación japonesa (inolvidable el de Rick Hunter, Minmei y Lisa Hayes) y brindar constantes sorpresas argumentales (como el hecho de que todos podían morir en cualquier momento –y, de hecho, algunos lo hacen). La serie consta de un total de 85 episodios que, originalmente, fueron tres series japonesas diferentes, y se unificaron bajo un mismo universo: “La saga Macross” (Macross): la historia del piloto Rick Hunter y su tripulación de la nave SDF-1 enfrentándose a la raza de los Zentraedi. (36 episodios) “Los maestros Robotech” (Southern Cross): se centra en Dana Sterling, la primera hija de Max y Miriya Sterling de la saga anterior, quien se une a la armada de Southern Cross en la lucha contra los maestro Robotech (quienes estaban originalmente detrás de la invasión a la Tierra comandada por los Zentraedi). (24 capítulos) “La nueva generación” (Mospeada): en esta ocasión, los enemigos son seres insectos conocidos como los “Invid”, quienes esclavizaron a la Tierra. El combatiente Scott Bernard toma la posta para liderar la revolución, y aparecen algunos viejos aliados para ayudar en la causa. (25 capítulos) Robotech: proyecto Valkiria Sorprendentemente, la ficción de fans que muestra los primeros contactos de humanos con avanzadas razas alienígenas fue un éxito rotundo que cosechó seguidores a lo largo y ancho del país. En Youtube pueden verse los primeros dos episodios, ambos de una calidad técnica importante. Los autores también dieron algunas notas locales en Bahía Blanca hablando sobre el proyecto. La demanda al corto argentino de Robotech Lamentablemente, a los directivos de Harmony Gold, quienes poseen los derechos de Robotech, no les gustó demasiado que la miniserie haya sido tan bien recibida. Antes de que la tercera y última parte de la historia viera la luz, los problemas legales aparecieron. En la fan-page de Proyecto Valkiria publicaron lo siguiente: “Por sorpresa nos llegó esta mañana un C&D (cese y desista) (cease and desist) por los derechos de Robotech, que es propiedad de Harmony Gold. Tendremos que dar de baja todos los links del proyecto, incluida esta página. Estamos viendo los detalles del aviso y trataremos de llegar a un acuerdo para terminar el 3er episodio. Todo el equipo del proyecto se siente muy orgulloso de haber realizado esto. Lamentamos profundamente no poder terminarlo en este momento, pero los mantendremos informados a través de los diferentes fan sites. QUEREMOS AGRADECERLES TODO EL APOYO QUE NOS DIERON.” Actualmente la fan-page fue eliminada. Esto podía verse en la página oficial del proyecto hace algunos años: Lo triste es que César Turturro, director de Creavisión, la productora audiovisual de Bahía Blanca que realizó esta serie, contaba con el apoyo inicial de Harmony Gold (siempre y cuando no fuera con fines de lucro). Se ve que la situación cambió debido al éxito de la miniserie. Una verdadera lástima, porque los dos capítulos tienen una gran riqueza técnica y audiovisual. Luego de intentar (en vano) mediar con Harmony Gold, Turturro terminó por expresar lo siguiente: “Fue una avalancha impresionante de cosas, hasta que llegó la carta y tuvimos que bajar todo. Al parecer el diseño de los robots, las imágenes… era todo muy complicado. Muchos me preguntaban ‘¿no tenías idea de que iba a ser así?’ Y la verdad que no, no tenía la idea de que era todo tan complejo.” Sería interesante ver la tercera y última parte de la historia. Quizás –al Universo le gustan las coincidencias y sincronismos– Andy Muschietti se cope con estos cortos y le sirvan de inspiración para su propia remake. [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2017/07/demanda-corto-argentino-robotech-valkiria-bahi
a-blanca.html[/link][anchor_text]Fuente[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 26/08/2017 02:08:15 am - Puntaje: 22 
#DeathNote (2017) Género: thriller / misterio/ fantasía Calificación: 4/10 Light Turner, un estudiante de secundaria, se cruza con una libreta mística que tiene el poder de matar a cualquier persona cuyo nombre se escriba. Luego de probar su funcionamiento, decide comenzar una cruzada secreta para convertirse en el nuevo Dios del mundo. [image]http://www.hobbyconsolas.com/sites/hobbyconsolas.com/public/media/image/2017/06/death-note-wi
lliem-dafoe-como-ryuk_0.jpg[/image] [link]https://youtu.be/e7Q8EyNO3YA[/link][anchor_text]Trailer de “Death Note”[/anchor_text] Me considero una persona abierta para las adaptaciones, y no creo que tengan que ser 100% fieles a la fuente porque (1) no agrega ningún valor y (2) son medios muy diferentes que requieren tratamientos distintos. “Watchmen” de Zack Snyder me pareció una excelente adaptación de la novela gráfica de Alan Moore porque se mantiene fiel a la esencia de la historia modificando algunas cuestiones sutiles que incluso hasta la mejoran. La cuestión con “Death Note” de Netflix es que no sólo tiene MUY POCO que ver con su fuente y con la esencia del animé original, sino que tampoco es una buena película en sí misma. Antes quiero aclarar que el animé me pareció una joyita del suspenso y la fantasía. Vi los 37 episodios de la serie repetidas veces (no menos de cuatro de hecho). Así que sí, puedo considerarme un fan-boy. Es una de mis obras favoritas y la que me llevó a querer empaparme de mucha más animación japonesa cuando lo vi por primera vez hace casi diez años. Por eso tenía expectativas y ansiedad por esta nueva película que tenía todo el potencial para ser de aceptable para arriba. El director Adam Wingard tiene trayectoria en el cine de terror, más allá de algún que otro traspié, los trailers vendían algo atractivo y enigmático y Willem Dafoe interpretaría al shinigami Ryuk. ¿Qué podía salir mal? Puedo decir, con seguridad, que “Death Note” es una de las peores adaptaciones del año y del mundo entero. No es una basura al nivel de “Dragon Ball Evolution”, aunque tampoco es lo suficientemente decente. Light Turner y L son, supuestamente, personas súper inteligentes. Al menos eso se repite una y otra vez a lo largo de la trama. Sin embargo, sus acciones y razonamientos no lo demuestran en absoluto. La verdad es que ambos son bastante idiotas. Especialmente el protagonista Light sale muy mal parado. Su personaje es un completo estúpido que hace cosas sin sentido en una escena y luego algo extremadamente astuto (e igualmente poco creíble) en la siguiente. Para hacer las cosas peor, el actor Natt Wolf no sirve para el papel y brinda una interpretación muy mediocre. Un casting súper errado. No me jode que L sea negro. El problema con su personaje fue por otro lado, y tiene que ver con un equipo creativo que no supo captar los temas fundamentales que trabaja la historia original. Lakeith Stanfield le pone onda al papel, pero la mitad del tiempo parece no saber bien qué hacer. Su rol, incluso, queda relegado a un segundo plano. Hay de sobre para enojarse con esta película: los muchos estereotipos de Hollywood, la construcción apuradísima entre Mía y Light, el extraño soundtrack que parece pensado por los creadores de “Suicide Squad” y el desbalance entre terror, comedia y suspenso (que nunca alcanzan el equilibrio justo) son sólo algunas cosas que se me ocurren. Por ejemplo (y esto, lo admito, es un mini-spoiler) las muertes vía la libreta son muy estilo “Destino Final”, lo cual genera un sentimiento grotesco que va a contrapelo de la seriedad que quiere plantear la historia. Está claro que quiso encararse para un público más juvenil (por eso el foco en Light y Mía, dos personajes con química olvidable y sin tiempo para desarrollar su relación). Por suerte no todo es tan horrible. Aún con sus muchos defectos, nunca deja de ser llevadera, y levanta en el tercer acto con algunos giros argumentales que, al menos, le ponen más picante a la historia. Riuk está muy bien, tanto en la voz como en el diseño, y fue acertada su participación desde las sombras (si bien extrañé esa relación tan loca –y diferente– que tiene con Light en el animé). Un punto donde sí funciona es en la relación entre padre e hijo. Shea Whigham es el único actor de verdad que se tomó las cosas en serio, y disfruté de su interpretación como el detective James Turner. De hecho, es la única dinámica entre personajes que está lograda. =>> CONCLUSIÓN: “Death Note” de Netflix sólo vale la pena para apreciar todavía más el animé y que, quienes conozcan la historia por primera vez acá, puedan interesarse más en la original, que es infinitamente superior. Si bien levanta un poco sobre el final y tiene un par de aciertos, no puedo recomendarla. Falla en recuperar la esencia. No garpa por sí sola como película de fantasía y misterio. Una verdadera lástima. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 26/09/2017 08:59:10 am - Puntaje: 21 
#AGhostStory (2017) Género: drama / suspenso Calificación: 8/10 Cuando un músico muere en un accidente de auto frente a su casa, regresa como un fantasma (cubierto con una sábana blanca) a la casa en la vivió con su mujer. [image]http://sideonetrackone.com/wp-content/uploads/2017/07/ghost_story.jpg[/image] [link]https://youtu.be/e-xojBVy3eU[/link][anchor_text]Trailer de “A Ghost Story”[/anchor_text] Disfruté mucho de esta película independiente de David Lowery que va a hacer enojar a más de uno. El concepto original es precioso, pero la manera en la que el director lo expone atenta contra la paciencia de cualquier audiencia, especialmente durante el primer tercio de la historia. A “Ghost Story” tiene un ritmo muy aletargado, es súper silenciosa (prácticamente no hay diálogo) y se denota un uso prolongado de planos fijos donde no parece pasar nada. La ya infame escena de la torta, donde vemos literalmente durante 5 minutos a la protagonista devorar un postre, compite contra las escenas más estiradas de este año en Twin Peaks. Es clave aclarar que, aunque se juega con algunos elementos clásicos del cine de terror, no hay película más alejada del horror este año que ésta. Más bien es una exploración muy introspectiva y singular sobre el “dejar ir”, el amor, la pérdida y la enormidad de la existencia. Del mismo modo, si bien se ven dos o tres escenas de suspenso muy bien logradas, es una meditación poética sobre la memoria, el tiempo y la conexión espiritual antes que una “historia de fantasmas” de la forma tradicional. A mí este aspecto me resultó fascinante. Hay una existencialista profundidad que emerge de lo que fácilmente podría haber sido un proyecto fallido y absurdo. Por otra parte, creo que el ambiguo y extrañísimo final va a ser uno de los más debatidos por años, a la par de las palabras susurrada por Bill Murray a Scarlett Johansson en “Lost in Translation”, el misterio de las cintas enviadas en “Caché” de Michael Haneke y todas las preguntas sin respuestas de “Mulholland Drive”. No quiero ahondar demasiado en este aspecto porque es mejor descubrirlo por uno mismo. Probablemente realice un análisis más detallado para el blog porque creo que vale la pena explorar a fondo el desenlace. La narrativa minimalista funciona apoyada en las actuaciones de Casey Affleck y Rooney Mara, que generan una intimidad poderosa. Como espectador uno siente que es un intruso en sus vidas, comparte sus dolores y simpatiza con ambos. La inversión del punto de vista –relatar la historia desde la mirada de un alma en pena (y muda) que no puede dejar ir– es cautivante. =>> CONCLUSIÓN: “A Ghost Story” es una experimental y hermosa pequeña historia sobre la aceptación de la pérdida, y sobre lo insondable del tiempo. Si bien lenta y silenciosa, me hipnotizó por completo por su cinematografía, los curiosos giros argumentales y su profundidad temática. Una película que dice mucho sin decir demasiado. Me encantó, y me parece de lo más creativo del año, pero entiendo perfectamente a quien afirme que se trata de un mal chiste que no sabe cuándo terminar. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 22/05/2018 10:44:47 am - Puntaje: 21 
#Deadpool2 (2018) Género: acción / comedia / superhéroes Calificación: 7,5/10 Secuela de la exitosa, canchera, rebelde y sexualmente agresiva primera película que sorprendió en el 2016 por mostrarnos que Ryan Reynolds puede actuar. Wade Wilson vuelve con todo para seguir rompiendo la cuarta pared y expresarle al mundo su amor por el dubstep. [image]http://www.fotogramas.es/var/ezflow_site/storage/images/noticias-cine/lluvia-de-balas-poster-
deadpool-2-flashdance/137828486-1-esl-ES/Lluvia-de-balas-en-el-nuevo-poster-de-Deadpool-2_portrait.j
pg[/image] Trailer de “Deadpool 2” [youtube]https://youtu.be/5WwuQ39NVWQ[/youtube] Aunque en “Deadpool 2” se pierde el elemento sorpresa que hizo a la primera algo tan memorable y disruptivo, se trata de una continuación muy digna. Le pega a todos con gags muy divertidos (algunos sorprendentemente complejos), mucho humor negro (la primera tarea de la X-Force es sublime) y un sinfín de referencias políticamente incorrectas. El eterno desafío de cualquier secuela es lograr estar a la altura de la original (y no repetirse). Teniendo esto en cuenta, creo que sale bien parada. Hay algunas secuencias de acción realmente imponentes (como era de esperarse bajo la dirección de David Leitch –director de “John Wick “ y “Atomic Blonde”), un villano sólido (es el gran año de Josh Brolin, quien destaca como Cable) y un humor un poquito más afilado. Los chistes no siempre terminan de funcionar, pero cuando lo hacen son excelentes. No sólo me divertí mucho en el cine (todos lo estábamos haciendo) sino que además me llevé a casa algunos gags que son maravillosos. Esta es una de esas películas que es mejor ver sabiendo poco y nada, pero no por los motivos que uno esperaría. La narrativa –al igual que con la primera– es muy simple y un robo asumido a Terminator. Es parte del paisaje. Lo que la película realmente quiere que hagas como espectador es que te caigas de culo con los gags más inesperados. Ese es su único objetivo. Así, hay un par de chistes y cameos en los que descotillás de risa, y otros que sólo pueden cerrarte si sos un consumidor ávido de la cultura pop. De vuelta, no todos funcionan del todo, pero la mayoría sí. La escena post-créditos, por ejemplo, es un delirio total. Pasan dos o tres cositas en esos minutos que van a ser recordadas por años. “Deadpool 2” también se beneficia de un elenco secundario atractivo donde destaca especialmente Domino (Zazie Beetz), el personaje más interesante de la película. Su tipo de humor, química con los demás personajes y particular superpoder la ponen a otro nivel. Un aspecto curioso (y hasta agrego: molesto) es que los mexicanos de Fox Latinoamérica han metido demasiado mano en los subtítulos, distorsionando todo lo que dicen los personajes e introduciendo chistes que no tienen nada que ver con la franquicia. Queda muy descolgado mencionar a Chayanne, “El Braian” o a Ricardo Arjona en una película (tan) americana. ==> CONCLUSIÓN: “Deadpool 2” se divierte mucho consigo misma y logra ser una continuación a la altura. Quizás perdió la magia de la sorpresa, pero no por eso es menos disfrutable. No busca ser la mejor película de superhéroes de la historia. Sólo se las ingenia para divertir (y mucho) multiplicando todo lo que amamos sobre la primera entrega. <= [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 25/02/2019 08:12:26 am - Puntaje: 21 
#SpiderManIntoTheSpiderVerse (2018) Género: animación / superhéroes / comedia / acción Calificación: 9,5/10 En un universo paralelo donde Peter Parker ha muerto, un joven de secundaria llamado Miles Morales se convierte en el nuevo superhéroe arácnido. Su primera tarea será detener a Wilson Fisk (el Kingpin), quien abre un peligroso portal al multiverso. [image]http://www.xmenjuego.com/wp-content/uploads/2018/12/spidermanintothespiderverse_012-576x1024.
jpg[/image] La gran redención de Sony. Después de hacer atrocidades con la franquicia (desde las “Amazing Spiderman” de Andrew Garfield hasta “Venom”) parece una ironía del destino que la empresa termine haciendo la que, de acá en adelante, va a ser considerada la mejor película de Spiderman de la historia. Recientemente galardonada con el Oscar a la mejor película de animación en 2018, “Spider-Man: Into The Spider-Verse” realmente hace todo bien, arrancando por el aspecto visual. Nunca nadie había hecho algo tan artístico y hermoso como lo que hace esta película que se ve increíble. Cada personaje tiene su propio estilo de animación que lo identifica. ¡Spider Noir es lo más y qué bien que le quedó la voz a Nicholas Cage! Ésta es una historia que sólo podía contarse mediante este medio y es lo más cercano a un cómic animado. La vi dos veces porque, luego del pantallazo inicial, quise poder prestar atención a los miles de detalles adicionales y grandes momentos que presenta. Además de homenajear a sus creadores (Stan Lee y Steve Ditko, ambos fallecidos el año pasado), a la saga de Sam Raimi (la mejor versión live action, sin dudas) y a todo el arte de las historietas en general, “Spider-Man: Into The Spider-Verse” también se toma el trabajo de decir cosas importantes sobre el arte callejero y lo que significa ser un superhéroe. Por momentos la historia está muy sobrecargada de personajes y subtramas, pero al final logra balancear todo con bastante soltura. Si puedo hacerle una pequeña crítica, me parece que hay dos “spidermans” (Peni Parker y Spider-Ham) no terminan de tener un desarrollo interesante y se quedan sólo en meros dispositivos argumentales. De todas maneras, Phil Lord y Chris Miller produjeron un enorme trabajo que lo tiene todo: impecables escenas de acción, divertidos momentos de humor, creativos diálogos y muchísimo ingenio. No es casual que la última vez que vi algo tan original en animación haya sido con “The Lego Movie” (2014) y “Lego Batman” (2017), también creadas por la dupla Lord-Miller. Un punto clave de la historia es que tiene la seriedad justa para generar risas pero también para invitar a la reflexionar y emocionar cuando las cosas se tornan oscuras. En este sentido es fundamental la relación entre Peter B. Parker (Hobo Spiderman) y Miles Morales, que es el aspecto más logrado de la película. La verdad es que es una producción tan buena, tan pensada, tan redondita, que escasean las palabras para describirla. Hay que mirarla y vivirla. ¿Se acuerdan de aquel juego de Sega, el Comix Zone, que llevaba los comics a la pantalla de nuestra tele? Esto es un poco así, pero elevada a la enésima potencia. Con muchísima más tecnología moderna y un gran guión que acompaña. Ah. Y no se olviden de la mortal escena post-créditos. ==> CONCLUSIÓN: Cuando uno cree que el género de superhéroe ya no puede innovar ni refrescarse, llega “Spider-Man: Into The Spider-Verse” para demostrar que aún hay mucho terreno por explorar. Un película esencialmente perfecta que eleva la vara hacia un nuevo nivel. <==

Mensaje escrito por lucianosivori el 24/01/2018 10:21:28 am - Puntaje: 20 
#ThorRagnarok (2017) Género: superhéroes / fantasía / acción / comedia Calificación: 7,5/10 Preso al otro lado del universo y sin su poderoso martillo, Thor se enfrenta a una carrera contra el tiempo para detener la destrucción de su planeta natal y el fin de la civilización asgardiana a manos de una nueva amenaza, la implacable Hela. [image]http://tbsila.cdn.turner.com/tbsila/tntla/images/10192/580482/g/thor-ragnarok_poster.jpg[/ima
ge] Trailer de “Thor: Ragnarok” [youtube]https://youtu.be/rA9DpARjrc8[/youtube] Tenía muchas expectativas con la tercera entrega de Thor, particularmente por el director Taika Watiti y también por el material promocional que se venía mostrando. Finalmente no me decepcionó y la considero la mejor de Marvel en 2017 y una de las mejores películas de fantasía del año pasado. Porque eso hay que aclararlo desde el principio: antes que una película clásica de superhéroes, esta es una fantasía épica hecha y derecha, una que fusiona la space-opera con la comedia. Tiene monstruos gigantes, hermosas mujeres, ejércitos de zombies, brujas malvadas, un lobo enorme y a Jeff Goldblum haciendo las locuras por las que es conocido. “Thor: Ragnarok” reinventó al personaje de Thor, que era uno de los eslabones más débiles del universo Marvel. Sus dos películas anteriores fueron de mediocres para abajo y sus participaciones en Los Vengadores nunca terminaban de convencer. Acá Chris Hemsworth finalmente pudo mostrar su timing para el humor y, si bien su personaje se acerca demasiado a Deadpool, es infinitamente más carismático que en apariciones anteriores. El actor es igualmente habilidoso para ser gracioso como para ser superhéroe, y en ese sentido cumple. La película es, definitivamente, muy comiquera, con grandiosas secuencias de acción, una trama sólida y un ritmo alocado. Es todo lo que pido en una cinta de Marvel: entretenimiento descerebrado y mucho pochoclo. Pero, además, “Thor: Ragnarok” me sorprendió con algunos giros argumentales que se alejan de las películas de este estilo. Comentarlas sería entrar en terreno de spoilers, pero alcanza con decir que el magnífico final está lejos de ser tradicional y que pasan algunas cuestionas arriesgadas y sin vuelta atrás. Por primera vez siento que una de las películas no-centrales y de relleno de Marvel tiene cosas realmente relevantes sucediendo. “Thor: Ragnarok” está claramente inspirada en las propuestas de fantasía y ciencia ficción de los ´80 como “Master of the Universe” y “Big Trouble in Little China”. Toda la atmósfera, los colores y la música nos llevan a aquella época. Desde el apropiado uso de la canción de cabecera (Immigrant Song de Led Zeppelin, que tiene mucho que ver con la historia que se cuenta), se nota que el director trató de ser muy cuidadoso con cada detalle. Waititi asumió riesgos muy extremos y el elenco logró entrar en sintonía con la propuesta. Quizás el problema es que el nuevo Thor es abismalmente diferente a lo que vimos antes, con lo que puede generar un choque con los fans. Yo disfruté mucho de esta propuesta space-opera con locos mundos y una historia tan bizarra como excéntrica. Desconozco que tan fiel será a la fuente literaria (no sigo los comics de Thor) pero sí es un hermoso espectáculo visual que nunca decae. Es notable cómo, con su película #17, el Universo Cinematográfico de Marvel sigue creando productos consistentemente buenos y lo suficientemente distintos entre sí para no aburrir y abarcar varios géneros, si bien la fórmula para su éxito es siempre la misma. ==> “Thor: Ragnarok” es sólida y muy divertida. El director Taika Watiti logró inyectarle mucha frescura y carisma al personaje de Thor, y logró interesantes dinámicas con todo el elenco secundario (Loki, Hulk/Banner, Valkyrie y Korg son todos muy disfrutables). Es una historia libre, divertida y relajada que le permite a la aventura coexistir sin problemas con el buen humor. <== POSDATA: De haber podido verla en los cines, “Thor Ragnarok” probablemente habría estado entre mis favoritas del año. Acá están todas las demás: [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2018/01/lista-top-15-mejor-cine-2017.html[/link][ancho
r_text]Mis películas favoritas del 2017[/anchor_text] [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 05/06/2019 10:40:37 am - Puntaje: 20 
#JohnWick3 (2019) Género: acción Calificación: 8,5/10 John Wick está de vuelta. Luego de los eventos del capítulo dos, hay una recompensa de 14 millones de dólares sobre su cabeza. Con un ejército de asesinos persiguiéndolo, tendrá que cobrar todos sus favores del pasado en un intento desesperado por sobrevivir. [image]http://culturaprovidencia.cl/cp/wp-content/uploads/2019/04/jw3.jpg[/image] Con la tercera entrega de este fascinante mundo de asesinos, monedas de oro y hoteles que funcionan como zonas seguras, Keanu Reeves se consolidó como uno de los grandes héroes de acción de nuestros tiempos (aunque convengamos que lo de “héroe” es discutible). Igual que Tom Cruise en la franquicia de “Misión Imposible”, Reeves es el Buster Keaton moderno, haciendo sus propios piruetas, escenas de riesgo y coreografías de acción. Para ello –y con sus 54 pirulos encima– el tipo entrena 8 horas por día, 5 días a la semana en artes marciales y manejo de armas. Lo ves en detrás de escena y te vuela la peluca. En “John Wick” encontramos, finalmente, una saga de acción que no pierde su toque, sino todo lo contrario. Cada una de las películas fue incrementando la dosis de peleas extravagantes, ampliando este delirante mundo oculto (algo así como el “Harry Potter de asesinos”, porque los mortales no tienen idea de su existencia) y abrazando esas ideas tan ridículas en los papeles que terminan funcionando. Gran parte de este éxito se debe al director Chad Stahelski, que hizo toda una carrera como doble de riesgo y ahora está empecinado en que su saga tenga acción real. Afortunadamente, encontró en el protagonista el conejillo de india perfecto. El resultado es un show frenético comparable a un colosal espectáculo de circo, donde es todo tan exagerado (pero, al mismo tiempo, tan bien filmado) que no podés hacer otra cosa que simplemente sentarte a disfrutar. Y a reír, lo cual es muy loco. Está claro que éste es el tipo de película que se va construyendo a partir de los momentos de acción que se quieren brindar a los espectadores. La historia es parte del paisaje. En entrevistas, el director comentó que caminaba de noche por Nueva York buscando localizaciones posibles para ubicar sus escenas de acción. Así se le ocurrió filmar en una biblioteca y en un establo. La película empieza directamente donde terminó la segunda y, sólo en la primera media hora, brinda algunas de las secuencias más impresionantes que haya visto en este género alguna vez. Después baja un cambio para presentarnos al personaje de Anjelica Huston y su “academia de artes” (una linda manera de explorar el pasado de Wick) y a Halle Berry, que realmente la gasta. Berry, que pasó 6 meses entrenándose (y se rompió 3 costillas en el proceso), la descose con una particular escena de acción que va a quedar como uno de los mejores momentos del cine 2019. Estoy haciendo lo posible por no spoilear nada porque realmente vale la pena experimentar todo por uno mismo. Estamos ante una imperdible carta de amor para los amantes de la acción y también para los fans del cine en general (hay bocha de homenajes al western, a “Matrix”, James Bond, “Casablanca”, al cine slapstick de Buster Keaton, a “The Raid: Redemption” e, incluso, a la propia franquicia de “John Wick”). La verdad es que “John Wick 3” está realmente bien y prácticamente no admite críticas. Su estética comiquera (que recuerda a “Sin City” de Frank Miller) se adapta perfectamente a un diseño de producción de puta madre. Plano a plano se muestran cosas hermosas. Hay lugar para el humor y todas las peleas son fantásticas y súper diferentes entre sí. ==> CONCLUSIÓN: “John Wick 3” es un festín para todos los sentidos. Tan intensa como violenta, propone un recorrido adrenalítico y caótico. Es acción de planos sostenidos, en contraposición al cine hiperkinético que se ofrece hoy en día. ¿De lo mejor del 2019? Sin dudas. <== [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 26/02/2018 07:53:58 am - Puntaje: 19 
#Coco (2017) Género: comedia dramática Calificación: 8/10 Miguel es un joven mexicano con el sueño de convertirse en leyenda musical a pesar de la terminante prohibición de su familia. Su pasión lo lleva, sin querer, a adentrarse en la Tierra de los Muertos, donde podrá conocer su verdadero legado familiar. [image]http://orangemagazine.ph/wp-content/uploads/2017/11/coco_ver5_xlgr.jpg[/image] Trailer de “Coco” [youtube]https://youtu.be/8zFLKMdbujY[/youtube] Con 19 películas en su bolsillo, Pixar ha cautivado al mundo con historia originales, personajes inolvidables, animación de primer nivel y emociones complejas. En serio, tiene la tendencia a sacar una obra maestra tras otra. Incluso sus películas menos memorables (“The Good Dinosaur” y la trilogía de “Cars”, por ejemplo) tienen algo para destacar, al menos a nivel técnico. “Coco”, afortunadamente, no es la excepción. Pixar lo hizo de nuevo. La película es realmente muy hermosa, y el tiempo dirá si se convierte en un clásico como ya lo son “Up”, “Monsters Inc.”, la trilogía de “Toy Story” y “Buscando a Nemo”. Inevitablemente va a recibir críticas por su curioso parecido con otra cinta de animación de co-producción entre México y Estados Unidos que salió hace unos años (“The Book of Life”, 2014). Lo cierto es que, más allá de una ambientación en el Día de los Muertos, no son nada parecidas. “Coco” parte de una premisa fascinante y la ejecuta con solidez. Sabía muy poco de la historia así que pude sorprender con algunos giros argumentales que va presentando a lo largo de su desarrollo. Creo que trabaja con mucho respeto un tema tan profundo y perturbador como es el de la muerte, algo que no tenía precedentes en el cine de Pixar. Si bien es siempre colorida, alegre y festiva, también cuenta con una sobrecarga emocional y temática que sólo antes se había visto en cintas como “Inside Out”. Le festejo la creatividad para reconstruir las costumbres mexicanas así como sus pueblitos tan característicos (de nuevo: algo fresco y original dentro de este cine). La película es visualmente encantadora en cada plano, especialmente cuando ingresamos en el (contrariamente a lo que uno pensaría) vibrante mundo de los muertos, que tiene muchísima energía y buena onda. Ni hablar de las pegadizas canciones y refrescantes números musicales, que están entre los mejores que ha sabido brindar la dupla Disney/ Pixar. Si a todo esto que vengo diciendo le sumo la sincera resolución emocional (¡preparar los pañuelos!), los simpáticos personajes y la narración rica en mensajes, “Coco” es definitivamente un film imperdible . Por cierto, si les gustó vean también “Paranorman” (2012), una de animación digital/stop-motion que trabaja una temática parecida y es también súper recomendable. ==> CONCLUSIÓN: “Coco” es hermosa y 100% fresca, animándose a representar una festividad típica de México (y otros países de Centroamérica) con mucho estilo. Una película con varios toques ingeniosos, tiernos y gustosamente macabros. Totalmente recomendable. <== [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 03/10/2017 11:36:46 am - Puntaje: 17 
#ElJuegoDeGerald (2017) Género: thriller psicológico / suspenso Calificación: 7,5/10 Jessie y Gerald son un matrimonio maduro que viaja a una remota cabaña con la idea de revitalizar su pasión. Cuando Gerald decide esposarla a la cama para incrementar las sensaciones, y luego muere inesperadamente de un infarto, Jessi tiene que luchar por su supervivencia. [image]http://popcornhorror.com/wp-content/uploads/2014/05/geralds-game.jpg[/image] Trailer [youtube]https://youtu.be/_5VbpE4W8ro[/youtube] Va siendo hora de que se tenga más en cuenta a Mike Flanagan, un realizador que viene haciendo un proyecto interesante tras otro. Dos de sus películas del 2016, “Hush” y “Before I Wake”, formaron parte de mis favoritas de aquel año. El tipo sabe hacer un terror diferente y con profundidad temática, y se destaca por dar roles protagonistas a mujeres, haciendo que sus películas se sientan diferentes. En “El juego de Gerald” –basada en una novela de Stephen King– el personaje de Carla Gugino hace una actuación magistral que espero sea reconocida por la Academia. Bruce Greenwood y Henry Thomas, si bien se quedan un poquito más atrás, también tienen interpretaciones fascinantes. Cuando uno piensa en un argumento sobre una mujer atada a una cama durante gran parte de la película, cabe pensar que va a costar llegar bien a los 90 minutos. Sin embargo, “El juego de Gerald” llega con tranquilidad a los 103 minutos y nunca se siente estirada. La historia parece sencilla, pero es bastante más profunda, dramática e interesante de lo que aparenta en primera instancia. Comentarlo sería entrar en terreno de spoilers, y esta es una de las películas que vale la pena ver con la menor cantidad de información posible. Si bien tiene algunos sustos moderados, la trama va más por el lado del thriller psicológico y toma unos giros argumentales muy astutos. Desde la sutil primera escena, donde el marido guarda las esposas en el bolso, comienza a sentirse la extrañeza de la historia, y es muy llamativo cómo el guión nos va llevando por lugares insospechados. Nuevamente, Flanagan coloca con maestría a un personaje femenino en una situación muy incómoda, un desafío físico, sobrenatural en algún punto, que tiene repercusiones con su propia vida. Donde otras premisas similares fallaron (pienso en “127 horas” o “Enterrado”, con Ryan Reynolds), el director logra sobrepasar todas las convencionalidades del género. Por cierto, fans de Stephen King van a poder detectar muchísimos guiños a sus obras literarias. =>> CONCLUSIÓN: En un año sobrecargado de adaptaciones de Stephen King, ésta –junto con “IT”– es una de las que vale la pena tener en cuenta especialmente. “El juego de Gerald” brinda actuaciones de primer nivel, mantiene un suspenso apasionante y deja un mensaje fundamental. Potente y terrorífica. Está disponible en Netflix. <<= BONUS TRACK [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/2017/01/lista-top-15-lo-mas-destacado-del-cine-2016.ht
ml[/link][anchor_text]Mis películas favoritas del 2016[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 03/01/2018 02:14:57 pm - Puntaje: 17 
#Blade Runner2049 (2017) Género: drama / ciencia-ficción Calificación: 8/10 Treinta años después de los eventos de “Blade Runner”, K (Ryan Gosling) descubre un secreto oculto que podría acabar con el caos que impera en la sociedad. El descubrimiento lo lleva a iniciar la búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford), un blade runner en fuga. [image]https://static.highsnobiety.com/wp-content/uploads/2017/08/24235415/blade-runner-2049-officia
l-poster-001-480x740.jpg[/image] Trailer de “Blade Runner 2049” [youtube]https://youtu.be/XgGvz8GxUJk[/youtube] Denis Villeneuve no hizo una mala película hasta ahora y en cada entrega continúa demostrando que es uno de los más grandes directores de nuestra era moderna. “Arrival”, “Enemy”, “Prisoners”, “Sicario” ... todas son joyitas de los últimos años. Con “Blade Runner 2049” vuelve a exponer su enorme talento para incursionar en diferentes géneros. Lo mejor de todo es que ésta se siente como una verdadera secuela de la original y no como un burdo remake para sacar plata. Incluso a la película le fue muy mal en la taquilla, lo cual es hasta provechoso porque implica que no se trata del inicio de una nueva franquicia millonaria. Me encanta la Blade Runner original de 1982 y tenía muchas expectativas respecto a esta continuación. No me decepcionó, pero la verdad es que tampoco me voló la cabeza. Creo que es buena, si bien no increíble. Le falta un poquito para ser una obra maestra (cuestiones que no puedo arruinar con esta reseña). Solo el tiempo dirá si se convertirá en un clásico de culto como la primera. “2049” hace algunas cosas realmente fascinantes desde el aspecto de ciencia ficción. Toda la subtrama romántica entre K y Joi es hermosa (aunque por momentos parece formar parte de otra película, una secuela de “Her” quizás) y, por supuesto, la fotografía es bellísima (quizás el mejor trabajo de Roger Deakins desde “Skyfall”. Desde el aspecto visual es un festín para los ojos. A lo mejor le falta pulir algunas cuestiones de ritmo y narrativa. En su mayor parte es muy elegante, especialmente en la manera de presentar la información al espectador, aunque se hace demasiado larga. Fácilmente podría haberse acortado (que no es lo mismo que “recortado”). Me cansé de contar las escenas larguísimas donde Ryan Gosling camina entre paisajes desérticos. Por fortuna, es muy orgánica la manera en la que nos va llevando, poco a poco, hacia los cabos sueltos de la Blade Runner original. El elemento de policial negro se removió casi por completo, si bien hay un misterio y un detective. Si buscan acción, esta no es su película debe haber dos o tres escenas muy cortitas, como mucho. Se trata más que nada de un drama de ciencia ficción. Es complicado reseñarla sin spoilear partes muy interesantes de la trama. Lo que si vale aclarar es que es necesario tener bien fresca la primera parte para tener la imagen completa. Jared Leto no me convenció y su personaje tiene incluso menos escenas que el Joker de “Suicide Squad”. Por su parte, Robin Wright hace de Claire Underwood. Dave Bautista tiene un rol muy chiquito pero memorable. El dúo protagonista (Ryan Gosling y Harrison Ford) brindan interpretaciones muy satisfactorias. Las comparaciones son odiosas e inevitables. Más en este caso. “Blade Runner 2049” mantiene el tono, la actitud, el despliegue visual y la música de su original, pero yo sigo prefiriendo la primera parte. La trama de Villenueve es sólida, si bien lineal y sencilla. Para una película de 2 horas y 45 minutos, me habría gustado tener un poquito más de cosas sucediendo. Pese a este detalle, no deja de ser una secuela muy digna. =>> CONCLUSIÓN: “Blade Runner 2049” es una onírica continuación al clásico de culto: elegante y visualmente asombrosa. Expande el universo de la original de 1982 de una forma muy orgánica. Quizás sea un poco extensa. Vale la pena especialmente para fans de la ciencia ficción. Por sobre todo: responde finalmente a la gran pregunta: Deckard sí es un replicante… ¡o no!. POSDATA: Vean los dos o tres cortos que fueron saliendo y funcionan como puente o material complementario que vale la pena ver (especialmente, el corto de animé “BlackOut 2022”). https://altapeli.com/peliculas/black-out-2022-la-precuela-de-blade-runner/ POSDATA 2: ¿Qué versión de la Blade Runner original es la correcta? https://altapeli.com/peliculas/que-version-de-blade-runner-es-la-correcta/ Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 17/08/2018 09:43:37 am - Puntaje: 17 
#Upgrade (2018) Género: sci-fi / thriller de acción Calificación: 8/10 En un futuro cercano, un mecánico tecnófobo es herido y observa cómo su mujer es asesinada frente a sus ojos. Luego de someterse a una operación que le permite volver a caminar, ingresando un chip en su cabeza, comienza a planificar su venganza. [image]http://filmmusicreporter.com/wp-content/uploads/2018/05/upgrade.png[/image] Trailer de “Upgrade”: [youtube]https://www.youtube.com/watch?v=H_c9XIC2WnU&feature=youtu.be[/youtube] “Upgrade” pertenece a un género que disfruto muchísimo (sci-fi de bajo presupuesto con premisas novedosas) y además está dirigida por Leigh Whannell, responsable de escribir las tres primeras partes de la saga “Saw” (que son, indudablemente, las mejores). Todo ello sumaba a mi interés por esta producción. Si bien tiene una narrativa más bien simple, la creatividad de la acción y los interesantes efectos especiales le dan una fuerza adicional. No sólo eso, sino que además es una deconstrucción de las clásicas películas de venganzas. El protagonista (Grey) no se convierte en asesino frío y calculador de la noche a la mañana. Es un tipo común y corriente en una situación imposible. Las cosas no le salen bien siempre y cada vida que se toma lo va perturbando más. En gran medida la película funciona gracias a la tremenda actuación de Logan Marshall-Green, quien ya me había deslumbrado en la excelente “The Invitation”. Su interpretación acá es fantástica, especialmente a nivel físico. Sus movimientos robóticos y la habilidad para desconectar sus expresiones faciales de las acciones físicas es impresionante, ilustrando muy bien lo que significaría ser controlado por una máquina. Quizás ahora sí lo dejen de llamar “la copia berreta de Tom Hardy”. También me gustó el misterio, que arranca sencillo y se va retorciendo a medida que avanza la historia. En este sentido, el final es de esos que te cambia completamente lo que venías viendo. En los últimos 20 minutos todo se va al carajo (en el buen sentido). Hay una seguidilla de giros argumentales que, por lo menos, te dejan pensando y sorprenden. Ojalá hubiese habido algunas escenas de acción adicionales, porque realmente son muy emocionantes e inventivas. No llegan a ser tan memorables como las de la saga de “John Wick”, pero se le acercan bastante. Desde algunos movimientos de cámara diferentes, hasta ideas locas como personajes que tienen armas incorporadas a sus brazos, hay muchos conceptos geniales dando vueltas. En sí la película no deja de tener elementos ya vistos en otras producciones (hay algo de “Lucy” y “Hardcore Henry”, definitivamente mucho de “Black Mirror”), pero es un viaje muy entretenido que desborda originalidad y te mantiene enganchado. Una de las más interesantes del 2018 y, sin duda, de lo mejor que brindó la productora Blumhouse hasta la fecha. ==> CONCLUSIÓN: “Upgrade” combina “Robocop” y “Terminator” con “John Wick” para brindar un entrenamiento puro, fluido e inteligente. Con algunos momentos de acción realmente destacables, una tremenda interpretación de Logan Marshall-Green y un guión lleno de giros de tuerca, los fans del género no nos podemos quejar. ¡Así es como se hace una buena película de bajo presupuesto! <== [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 22/01/2019 09:13:07 am - Puntaje: 16 
#Suspiria (2018) Género: terror / fantasía Calificación: 8/10 Susie Bannion viaja a Berlín para cursar sus estudios de danza en una de las escuelas más prestigiosas del mundo. El mismo día en el que ingresa, una de las alumnas desaparece misteriosamente. Remake del clásico giallo de 1977 dirigido por Dario Argento. [image]http://es.web.img3.acsta.net/r_1280_720/pictures/18/10/10/09/00/3651772.jpg[/image] Hay dos corrientes extremas a la hora de encarar una remake: podés hacer una composición cuadro por cuadro con la mayor fidelidad posible (como en “Psicosis” de Gus Van Sant) –¿pero entonces para qué molestarse?– o podés tomar la obra original y hacer algo completamente diferente. Éste es el caso de la versión de Luca Guadagnino. El director de “Call by your name” realizó un homenaje a los sentimientos que provocaba la obra de Argento en lugar de volver a contar la misma historia. La premisa se mantiene, muchos personajes se repiten, pero básicamente ahí terminan las similitudes. La nueva “Suspiria” es la antítesis espiritual de la versión de 1977, un ejemplo de cómo dos cineastas pueden tomar un mismo relato como punto de partida y terminar con algo radicalmente distinto. En lugar de ser un festival gore de 98 minutos, es un terror épico de dos horas y media que nos habla de la culpa, la posguerra y la brutalidad de ser mujer. La trama es accesible, sin demasiadas vueltas de rosca. Se trata de una narrativa de misterio sobrenatural bastante tradicional, completa con su giro sorprendente al final. Exploramos la academia, la fascinante relación entre Susie (gran Dakota Johnson que finalmente logró separarse de las aberrantes “Fifty Shades”) y Madame Blanc (enorme Tilda Swinton), junto a la búsqueda del psiquiatra Klemperer, también interpretado por Swinton. Sin embargo, en “Suspiria” la historia es más una excusa y no la principal atracción. Lo que atrapa es la excitante forma de filmar de Guadagnino, desde fantásticos efectos prácticos, hasta múltiples técnicas de edición y una cinematografía del carajo. Si a esto le sumamos una banda de sonora tenebrosa (creada por Thom Yorke, el vocalista de Radiohead) el resultado técnico termina siendo sobresaliente. Como es de esperarse, hay mucho baile y tiene mucho que ver con la trama. En “Suspiria”, las geniales coreografías están insertadas en la historia como componentes intrínsecos. La danza es sexo, es desarrollo de personajes, es un arma y es también un portal, una puerta hacia otros mundos (metafórica y literalmente hablando). Guadagnino creó una pequeña obra maestra que –no es casual– encabezó la lista de favoritos de muchos cinéfilos. En mi caso todavía no la había visto cuando armé mi TOP-15, pero definitivamente la habría incluido porque realmente la disfruté un montón. Si me permito quejarme de algo, la duración es un tanto excesiva y esa necesidad de darle al terror una especie de “contexto histórico” me quitaba el suspenso. Cuando el guión se enfoca en los horrores de la posguerra, parece otra película. Esta producción terminó consolidando lo que fue un buen 2018 para el cine de terror, cuando sumamos “A Quiet Place” y “Hereditary”. Si bien (voy a decirlo) a mi “Hereditary” me pareció floja de papeles en muchos aspectos. Me quedó toda la vida con “Suspiria”, que comparte varias temáticas argumentales (aunque no lo crean) pero es mucho más sutil en su contenido. Por cierto, a los cines argentinos “Suspiria” nos llega recién el 31 de enero. ==> CONCLUSIÓN: Atmosférica, genuinamente tensa y hermosamente elaborada, “Suspiria 2.0” es un logro imponente. Me habría conformado con 30 minutos menos y una narrativa más enfocada, pero, de todas formas, es una obra magnífica que vale la pena experimentar. <== #BonusTrack: [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com/2019/01/lista-top-15-lo-mas-destacado-del-cine-2018.html[
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Mensaje escrito por lucianosivori el 26/12/2017 12:28:06 pm - Puntaje: 15 
#Bright (2017) Género: policial / acción / fantasía Calificación: 6/10 Seres humanos, orcos, elfos y hadas han convivido desde el inicio de los tiempos. Dos policías con perfiles muy distintos (Ward, un humano y Jakoby, un orco) patrullan las peligrosas calles juntos. [image]http://www.femalefirst.co.uk/image-library/square/500/b/bright-netflix-poster-uk.jpg[/image] Trailer de “Bright” [youtube]https://youtu.be/Sk5Zd2MDwGk[/youtube] No entiendo la crítica ensañada en calificar a “Bright” como la peor película del 2017. Ciertamente no es una obra maestra, pero tampoco es la “Emoji Movie”. A mí el concepto fantasioso me resultó agradable y disfruté de esta historia loca que logra redimir a un pobre David Ayer. David Ayer ha sabido crear historias genuinamente atractivas. Soy uno de los pocos que banca más a “Suicide Squad” que el promedio de cinéfilos, una película mala (malísima) que divierte y que tuvo la desgracia de ser toqueteada por todo el mundo. El resultado fue desastroso, pero no por eso crucifiqué al director. “End of Watch” es cruda y visceral, “Sabotage” es una ingeniosa adaptación del famoso relato de Agatha Christie (y con Arnold Schwarzenegger!) y ni hablar de “Training Day”, peliculón que guionó, si bien fue dirigida por Antoine Fuqua. “Bright” es la película original de Netflix más costosa hasta la fecha (90 millones de USD). Su premisa es, al menos, llamativa. ¿Qué pasaría si el mundo medio creado por Tolkien hubiese existido realmente hace 2000 años? La película se enmarca en esta idea para construir una aventura policial de una sola noche, una especie de tierra media versión guetto californiano. El resultado es, para mí, satisfactorio, con una excelente química entre ese gran actor que es Joel Edgerton y el carismático Will Smith. Me habría gustado conocer un poco más sobre el universo creado para esta película, pero me conformo con algunos pantallazos que se muestran como parte del paisaje. Admito que la película roba ideas de varias otras (“Alien Nation”, “District 9”, “El quinto elemento”, etc) y que es demasiado superficial con algunas cuestiones que no convencen. Ya la primera escena con un Will Smith golpeando a un hada hasta morir te tira para abajo. Sin embargo, remonta rápidamente y logra ser muy llevadera gracias a buenas escenas de acción y un suspenso bien dosificado. Muchos criticaron el diseño de los orcos y elfos. A mí me parecieron correctos, solemnes. Menos CGI y más maquillaje para lograr realismo fue una decisión acertada. Los orcos, por ejemplo, se ven bastante bien y no producen un rechazo ni un gran contraste con los humanos. Si hubieran estado hechos por computadora me habría parecido una monstruosidad (pun intended). Lamentablemente, “Bright” viene cosechando malas reseñas y es probable que termine convirtiéndose de una de las peores por efecto avalancha. Sí: tiene una mezcla de géneros extraña y lecciones morales demasiado simplistas. Pero –y este punto es la clave– tampoco pretende ser nada más que ser un mero entretenimiento, o, al menos, así la vi yo. =>> CONCLUSIÓN: En los papeles, “Bright” es un intento fallido por parte de Netflix para tener una gran producción original pochoclera. La crítica profesional la calificó desde “mediocre” hasta “lo peor del año”. Pese a ello, creo que es un pochoclo divertido para ver. El humor a veces funciona (no siempre), la acción es sólida y el dúo protagonista es muy querible. Alcanza para aprobar. <<= [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 27/11/2018 12:55:36 pm - Puntaje: 15 
#MissionImpossibleFallout (2018) Género: thriller / acción / espionaje Calificación: 7,5/10 Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo –con la ayuda de viejos aliados– luchan a contrarreloj para encontrar unos macguffins nucleares luego de que una misión sale terriblemente mal. [image]http://estaticos2.nochedecine.com/wp-content/uploads/2018/02/nt_18-Mission-Impossible-Fallout
-500x500.jpg[/image] Esta es la sexta entrega de la saga, y uno a esta altura ya sabe con qué se va a encontrar. Máscaras para esconder las identidades, gadgets y la clásica musiquita de “Misión Imposible”, grandes escenas con efectos prácticos (un tipo de cine “a la vieja escuela” que ya no se hace), Tom Cruise arriesgando su vida y mucha adrenalina. “Misión Imposible 6” ya conoce a su público y ofrece el espectáculo que ese nicho de seguidores quiere (queremos) ver. En este sentido, la película es magnífica y técnicamente impecable. No es un misterio que las de Misión Imposible surgen primero con las alocadas escenas de acción que quieren filmarse, y luego se arma un guión alrededor de ellas. Hay, por lo menos, tres momentos de acción que están excelentemente logrados: una caída libre desde un avión, una persecución en helicóptero y la coreografiada pelea del baño. Hay muchas otras también (la persecución a pie donde Cruise se rompió el tobillo es genial), pero esas tres me quedaron grabadas. Admitamos que la mitad de la diversión acá es saber que el “Buster Keaton” del cine de espionaje hace todas esas locuras él mismo. Pero además, la trama –aunque un poco extensa para sus 147 minutos de duración– tiene gran ritmo y conecta emocionalmente … más allá de que algunas sorpresas del argumento se vean venir a kilómetros. Christopher McQuarrie es el primer director en volver a una franquicia que, desde la primera de 1996, ha sabido mejorarse una y otra vez. A excepción quizás de “Misión Imposible 2”, que es bastante floja, todas las aventuras de Ethan Hunt son memorables. En mi lista rankeada creo que van: MI1 (obvio) > MI6 > MI5 > MI3 > MI4 >>> MI2. “Fallout” es, quizás, todavía más especial porque recupera a gran parte del elenco, continua una línea narrativa respecto a la anterior y tira muchos guiños a la saga. Sorprendentemente, me gustó mucho el papel de Henry Cavill, el actor cuyo bigote presentó tantos problemas (y polémicas) para la película de “Justice League”. Tiene gran química con Cruise, la gasta en las peleas y agrada con su humor. ==> CONCLUSIÓN: Hay películas que ya en su tercera entrega empiezan a mostrar el cansancio y el desgaste. En este sentido, es destacable cómo esta saga sigue reinventándose y trayendo nueva ideas a la mesa. “Mission: Impossible - Fallout” es una notable adquisición para la franquicia. De lo mejor que el cine hollywoodense de acción presentó en 2018. <== [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 11/08/2017 10:37:00 am - Puntaje: 14 
#GuardiansOfTheGalaxyVol2 (2017) Género: superhéroes / acción / comedia / sci-fi Calificación: 7/10 En esta segunda parte, los Guardianes luchan por mantener unida a su nueva familia mientras buscan resolver el misterio del verdadero origen de Peter Quill. Viejos rivales se convierten en aliados a medida que el Universo Cinematográfico de Marvel continúa creciendo. [image]http://img.aullidos.com/imagenes/caratulas/guardianes-galaxia-2-2.jpg[/image] [link]https://youtu.be/XOoez2Pe6kE[/link][anchor_text]Trailer de “Guardians of the galaxy. Vol2”[/anchor_text] “Guardianes de la Galaxia 2” era una de mis películas más esperadas este año. La primera parte fue una súper inesperada, extravagante e ingeniosa historia de ópera espacial que se convirtió, pronto, en una de mis favoritas del 2014. James Gunn insertó frescura en el universo Marvel con una película muy lograda, divertida y emotiva. Repetir el éxito no iba a ser sencillo, y creo que el director lo logró hasta cierto punto. La secuela es una continuación decente, con algunos aciertos, aunque no deja de tener fallas graves que son difíciles de dejar pasar. En algún punto, esta película es más inteligente que la mayoría de su tipo, pero no alcanza el nivel de la primera. Es divertida (de neuvo: no tanto como la primera) y está por encima de la media de Marvel. No deja de ser un film absolutamente lúdico, desenfadado, que apuesta al humor por sobre la narrativa. Dicho humor es a veces muy bueno (la escena inicial es excelente, una de las mejores introducciones a una peli de Marvel que haya visto) y a veces muy malo. Y acá, cuando el humor no funciona, no funciona. Hay escenas donde me quedé pensando “qué carajo”. Tampoco ayuda la sobre-exposición que presenta la historia, donde constantemente los personajes están diciendo en voz alta lo que el espectador tiene que saber (o recordar). Las sutilezas quedaron a un costado. Hay ejemplos a montones a lo largo de sus dos horas y moneditas de duración. En cuanto a materia de acción y diversión, “Guardianes de la Galaxia 2” sigue fielmente la matemática del pochoclo. Grandes batallas, muchos disparos, buenos efectos especiales y pirotecnia. No me puedo quejar desde el costado artístico porque brinda momentos muy memorables. La escena del escape de la prisión es uno de las más bellas, igual que el climax final. Algo que la película hace muy bien es desarrollar a algunos personajes un poco más: Quill, Gamora, Nebula, Rocket Racoon... el caso de Yondu es destacable. Michael Rooker es el mejor actor dentro del reparto, y su personaje es lo más interesante de la historia. Kurt Russell sale bien parado como Ego, el planeta viviente, un personaje de Marvel que es –literalmente– un planeta viviente y acá estuvo bien llevado. Me gustó la manera en que lo insertaron en el conflicto, aunque su giro del segundo acto es otro caso de estereotipo que debería evitarse a esta altura. Otros personajes secundarios tienen su simpatía, pero están más para figurar que otra cosa. No me quedó claro el rol de Mantis en la trama, Drax quedó relegado a un comic relief sin gracia, los tipos dorados son todos muy caricaturescos y el cameo de Silvester Stallone como Stakar Ogord es agradable aunque demasiado breve. Importante destacar que, esta vez, el cameo de Stan Lee tiene un propósito que, seguramente, tendrá un impacto en las películas venideras del universo Marvel. Algo llamativo que pensé mientras veía GOTGV2 es que, si la primera entrega tuvo una influencia muy importante de “Star Wars: Una Nueva Esperanza”, esta segunda parece tomar algunos elementos de “Star Wars: El Imperio Contraataca”. Si sigue la tendencia, esperaría que la tercera y última parte se inspire en “El Retorno del Jedi”. Por último, me queda por mencionar a Baby Groot. Está claro que está hecho para atraer a los más chicos y vender juguetes tiernos. Afortunadamente, su participación es chiquita y muy equilibrada. Me gustó y sumó una porción del humor “bueno” que tiene la cinta. =>> CONCLUSIÓN: si bien no se acerca al ingenio ni al humor de la primera parte, “Guardianes de la Galaxia Vol. 2” es una continuación digna, muy llevadera y con estilo. Peca de algo de exposición narrativa, algunos personajes subdesarrollados y humor forzado que, por momentos, no convence del todo. Buena acción. Para disfrutar con amigos, morfi y birra. <<= Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 30/08/2017 07:56:35 am - Puntaje: 14 
Y esto es todo el Game of Thrones que vamos a tener hasta, posiblemente, el año 2019, cuando llegue la octava y última temporada. En la mesa no queda mucho más que alguna que otra teoría de fans dando vueltas (como el hecho de que, de algún modo, Bran podría ser el Rey de la Noche, gracias a la habilidad del Cuervo de Tres Ojos para viajar en el tiempo). The Dragon and the Wolf, el séptimo y último episodio del año, fue un clásico cierre de temporada. Luego de los intensos eventos del capítulo anterior, en aquella travesía loca al norte para conseguir a un muerto vivo para Cersei, el desenlace resultó ser el episodio más largo de la serie (80 minutos) y con mucho más diálogo que cualquier otra cosa. [image]http://cdn.images.express.co.uk/img/dynamic/20/590x/secondary/Sansa-Stark-and-Littlefinger-92
3665.jpg[/image] Creo que la temporada 7 tuvo sus puntos altos, sin duda. Sin embargo, la sentí como una secuela directa de su año anterior. La tendencia que comenté durante el análisis de la sexta temporada es más marcada ahora: la creciente pérdida de realismo, las inconsistencias geográficas (con personajes que se trasladan por Westeros a velocidades imposibles), las inconsistencias narrativas, etc. Game of Thrones es ahora un fan-fiction (lo viene siendo desde mitad de la quinta temporada). El simbolismo en la muerte de Littlefinger La muerte de Littlefinger era el momento más esperado de la serie desde que Joffrey se atragantó con el veneno de la Reina de Espinas. No resultó una gran sorpresa (nada en el capítulo final realmente lo fue) y representó otro de los momentos “para fans” a los que el show nos (mal)acostumbró en los últimos años. Todo lo que sucedió este año en Winterfell, con las miraditas de Littlefinger, sus juegos obvios y poco sutiles, y el melodrama entre Sansa y Arya que podría haberse resuelto con tres minutos de conversación, me pareció lo más flojo de la temporada 7. [image]http://staticr1.blastingcdn.com/media/photogallery/2017/2/10/660x290/b_586x276/game-of-throne
s-season-7-spoilers-littlefinger-and-the-starks-screencap-zurik-23m-via-youtube_1138735.jpg[/image] Personajes que supieron ser muy ricos, y que vivieron cosas tremendas a lo largo de varios años (aprendiendo lecciones invaluables) parecieron protagonistas de Gossip Girl gracias a los guiones tontos–sin una base en el material fuente– del equipo creativo. Hoy la serie está plagada de personajes con “armadura narrativa”, y los días de “cualquiera pueda morir” terminaron hace rato. Ni siquiera Tormund o Gendry creo que vayan a morder el polvo antes de hacer lo que se supone que tienen que hacer (según el manual de las series de televisión). Es decir, reencontrarse con Brienne y Arya respectivamente. La serie es, ahora más que nunca, un show tradicional de la televisión, cuando supo ser algo completamente diferente. Vi la primera temporada de GoT cuando nadie la conocía (y nadie daba dos mangos) y me voló la cabeza. Recuerdo haber charlado con mi viejo y los dos decíamos: “che, qué buena primera temporada, la puta madre”. Las cosas siguieron para bien durante varios años. Ya para la tercera, todos veían GoT (con mi mujer la volvimos a comenzar desde el principio para ponerla a ella al día). Y el desencanto llegó a mitad de la temporada 5 cuando todos, incluso los espectadores más casuales, comenzamos a notar que la serie perdía su esencia. Menciono esto porque creo que la muerte de Littlefinger fue algo grande, pero también tradicional. No fue una Boda Roja, ni una Boda Púrpura. No fue la decapitación de Ned Stark. Es un hecho notable porque el pícaro de Petyr Baelish estaba dando vueltas desde el episodio piloto, y es el villano al que podemos hacer responsable de disparar el conflicto más atractivo del show. Excepto que no es el culpable de todo, como Sansa dijo. Hay dos personajes cuyas tramas no tuvieron absolutamente nada que ver con las manipulaciones de bigote. Jon Snow (perdón, Jon Sand… no… Aegon Targaryen) tuvo un sendero del héroe en su lucha en el Norte contra los salvajes y luego contra el Rey de la Noche. Y Dany conquistó Essos. En realidad, estuvimos viendo tres series paralelas dentro de una misma serie: 1.- La canción de Hielo => Jon Snow y su lucha en el muro. 2.- La canción de Fuego => Daenerys y su lucha en Essos. 3.- El juego de tronos, o la “Guerra de Littlefinger” => todo lo demás. El juego, esa intriga política tan picante de arreglos secretos, murmuros, traiciones y alianzas, es lo que a muchos realmente los llevó a amar Game of Thrones. Mientras tanto, Jon y Dany fueron pistolas de Chejov, no terminarían de cumplir su rol en la historia hasta volver al centro de la acción (y no morirían en el proceso). Sabíamos que nada les iba a suceder aunque la cosa se complicara en serio o aunque Jon estuviese literalmente muerto. Cuestión que las tres historias se fusionaron cuando Jon cabalgó al sur y Dany navegó hacia el este. Como Jon Snow dijo: «Only one war matters—and that war is here.» En otras palabras: llegó finalmente la Canción de Hielo y Fuego. El Juego de Tronos terminó. Esto deja al pobre Littlefinger en un problema grave, porque aquel juego de manipulaciones es el único que conoce. En la temporada siete se lo vio perdido, descentrado, como cuando un buen jugador pierde la magia y no sabe cómo recuperarla. (No lo culpo a él, sino a los escritores que no le encontraron la vuelta a su personaje). Littlefinger fue sólo una sombra de lo que supo ser antes, lo cual me enferma porque sus juegos mentales eran demasiado obvios y nunca entendí por qué estuvo toda la temporada en Winterfell haciendo nada. La cuestión es que, desde una perspectiva narrativa, era hora de que Littlefinger se fuera, y siempre estuvo claro que sería alguna de las Stark quien lo invitara a retirarse. Su muerte nos habla también de la muerte del show como drama político inspirado en la edad media. Sólo nos queda la fantasía más pura, la batalla contra Caminantes Blancos, zombies y dragones de hielo. Ya no hay lugar para más conspiraciones. [link]Acá va el link[/link][anchor_text]Link a la nota completa[/anchor_text] Luciano Sívori [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 06/03/2019 02:18:20 pm - Puntaje: 14 
#Aterrados (2018) Género: terror sobrenatural / thriller psicológico Calificación: 8/10 Extraños sucesos ocurren en un barrio del conurbano bonaerense: gente que desaparece, muertos que vuelven de sus tumbas y voces que se escuchan en las cañerías. El comisario y un grupo de investigadores de lo paranormal juntan fuerzas para resolver el misterio. Sólo con los primeros 10 minutos de la película, el director Demián Rugna logra meter un miedo tal que vas a necesitar prender las luces. Me gustó mucho esta producción argentina que tiene un “look and feel” muy hollywoodense. No tiene nada que envidiarle a las grandes producciones de terror y, agrego, es mejor que varias de las que salen cada año. De hecho, “Aterrados” tuvo tanta presencia en nuestros cines locales y en festivales internacionales que Guillermo del Toro ya está encarando la inevitable remake. Me gustó el aspecto de que los bichos puedan verse sólo desde algunos puntos de vista. Incrementa el terror y es un enfoque original a una premisa conocida. También está piola que todo ocurra en un barrio del conurbano y en tres casas vecinas, cada una con sus propios horrores. Baja el terror a tierra e incrementa mucho la idea de que este tipo de cuestiones oscuras pueden pasarte en tu propio hogar. El relato no es súper innovador. Se encuadra en ese subgénero tan conocido que es el de casas malditas. Sin embargo, logra ser atrapante gracias a una excelente construcción del suspenso y muy buena puesta en escena. Si bien hay algunos clichés del terror, tiene un giro narrativo interesante: el foco está puesto en la investigación de lo sobrenatural, de forma similar a franquicias como “Poltergeist” o “El Conjuro”, de James Wan. Genial lo de Maximiliano Ghione como un comisario completamente superado por la situación y cagado hasta las patas. Es un tipo de rol protagónico que no se ve tanto. Cuando las cosas se van al carajo, su primer pensamiento es el de irse a la mierda, que es lo que cualquiera de nosotros haríamos. Para peor, el tipo es un paciente anticoagulado, una condición médica que se usa a favor de la narración y, de nuevo, algo que no es tan típico de este tipo de historias. Sobre el final el relato decae un poquito. No ayudan el CGI berreta y el hecho de que falten explicaciones para todas las locuras que experimentamos. Aun así, no le quita la diversión al asunto y el saldo sigue siendo muy favorable. Esta es una gran película de terror que vale la pena ver. Más todavía considerando que la subieron a #Netflix recientemente. ==> CONCLUSIÓN: Hay un nuevo y sorprendente exponente del terror argentino. “Aterrados”, de Demián Rugna, es una astuta adición al género que se las ingenia para ser más original que muchas otras producciones norteamericanas. Efectiva atmósfera de suspenso, buenas actuaciones y sustos reales. <== [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]