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Últimos mensajes dejados por lucianosivori

Mensaje escrito por lucianosivori el 27/02/2020 07:52:41 am - Puntaje: 0 
ARandK escribió: A mí me entretuvo. Sin haber leído aún el relato, encontré que la cinta tenía un ambiente muy lovecraftiano, cosa que se agradece. Como bien dices, seguramente no pasará a la historia, pero la encontré una adaptación decente.Lo que no me queda claro, Luciano, es que si tu reseña es más bien positiva, ¿por qué un 6? ¿Cuáles fueron sus fallas, a tu modo de ver, para que casi esté apenas por sobre la mitad del puntaje?Comentario aparte, a mí me sigue encantando por sobre todo la lovecraftiana película de 1995 En la boca del miedo o Al borde de la locura de Carpenter. Es una de mis favoritas.
A veces un 6 es simplemente un 6. Para mí esa nota representa un proyecto interesante que no llega a ser tan memorable. Es una película que se deja ver, que te entretiene y no mucho más. No es que tenga fallas especialmente (que igual las tiene... por ejemplo, las actuaciones de los chicos no son increíbles, la muerte del pibe más grande es medio ridícula, etc) pero simplemente no es ni una peli de 7 ni una de 5. Es un 6.
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Mensaje escrito por lucianosivori el 26/02/2020 09:21:29 am - Puntaje: 4 
#ColorOutOfSpace (2020) Género: terror / sci-fi Calificación: 6/10 Cuando un meteorito se estrella cerca de la granja de los Gardner, un organismo extraterrestre convierte la tranquila vida rural de la familia en una lisérgica pesadilla. Nueva adaptación de uno de los relatos más emblemáticos de Lovecraft. [image]http://tumbaabierta.com/wp-content/uploads/2020/01/Color-Out-Of-Space-Poster.jpg[/image] Cuando uno se propone ver una producción de los creadores del clásico de culto “Mandy” (2018), también protagonizada por Nicolas Cage, más o menos sabemos con qué nos vamos a encontrar. A mí el estilo excéntrico, bizarro e incorrecto del actor me va y me entretiene. A esto se le sumaba que me gusta mucho Lovecraft y vengo interiorizándome, poco a poco, en su inmenso universo de horror cósmico. Por lo tanto, ver esta nueva versión de “El color que cayó del cielo” era prácticamente una obligación. Como Stephen King y Edgar Allan Poe, Howard nunca tuvo demasiada suerte con sus adaptaciones a la pantalla grande, que han sido siempre mediocres y de presupuestos cuestionables. Este texto tuvo al menos tres o cuatro adaptaciones previas, ninguna realmente memorable. Siendo que esta nueva interpretación no está tan mal, probablemente podemos considerarla la mejor adaptación hasta la fecha. La dirección corrió por cuenta de Richard Stanley, quien se había retirado hacía más de veinte años debido a sus problemas con el rodaje de “The Island of Dr. Moreau” (1996), con Val Kilmer. En este caso, volvió para cumplir con este proyecto soñado que venía gestando desde el 2011. Encontró en los productores de “Mandy” y Nic Cage el presupuesto para finalmente volverlo realidad. Tanto Cage como Stanley son dos locos de la guerra que, en un momento de su vida, buscaron el Santo Grial por el mundo. Unirlos para una historia igual de loca como ésta parecía natural. La película es una expansión del material fuente incorporando bastante sobre la vida de los Gardner antes de la llegada del meteorito. El terror en sí va más por el lado del body-horror que recuerda a las producciones de David Cronenberg o John Carpenter. Además de drenar, mutar y desintegrar los seres vivos, el Color puede fusionar múltiples organismos en una única biomasa pulsante y espantosa. Hay numerosas referencias al universo de Lovecraft que son divertidas de detectar por los lectores avispados. El Necronomicón tiene un rol en la trama, se mencionan las ciudades ficticias de su literatura como ubicaciones reales (Arkham, Dunwich, Kingsport, etc) y los nombres utilizados son claros homenajes. Los efectos especiales y demás aspectos técnicos están correctos para este tipo de propuesta. Se nota que aplicaron la plantilla de colores de “Mandy” y aprovecharon su estilo para filmar “Color Out of Space”. Pese a los cambios y diferencias con el relato original, el elenco hace un buen trabajo y permite captar la esencia de lo que Lovecraft quería contar. Nic Cage se mantiene sobrio durante la primera mitad sólo para volverse completamente histriónico y desquiciado en la segunda parte (que era lo que todos queríamos ver de él, claramente). ==> CONCLUSIÓN: “Color Out of Space” es una versión respetuosa y original del clásico relato lovecraftiano. Probablemente sea la versión definitiva de un texto tan atemporal como inspirador. No será una obra maestra, pero sí una producción decente y entretenida para fans del autor y de Nic Cage. <== BonusTrack [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com/2015/11/el-color-que-cayo-del-cielo-de-hp.html[/link][anc
hor_text]Reseña del relato “El color que cayó del cielo”, de H.P. Lovecraft[/anchor_text] [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 26/02/2020 06:59:11 am - Puntaje: 1 
Cuando uno se pone a ver una película de Nic Cage y de los productores de Mandy, ya es posible hacerse una idea de lo que vamos a ver...

Mensaje escrito por lucianosivori el 19/02/2020 09:03:05 am - Puntaje: 3 
#Sonic (2020) Género: aventura / comedia / infantil Calificación: 6,5/10 Sonic –el veloz erizo azul basado en la serie de videojuegos de Sega– se une a un buen policía de pueblo (James Mardsen) para escapar del malvado Dr. Robotnik (Jim Carrey), quien intenta atraparlo para aprovechar sus impresionantes poderes. [image]http://i0.wp.com/plexmx.info/wp-content/uploads/2019/11/EJK707IXUAErwDh.jpg-large.jpg?ssl=1[/
image] Sonic fue una parte trascendental de mi infancia y sigue siendo importante al día de hoy. ¿Cómo no iba a ir al cine a ver su primera versión live-action? Y la verdad es que la disfruté un montón. Es el tipo de adaptación de videojuegos que habría definido al género de haber salido en los años ´90, y en gran parte es como un producto de esa época. Realmente ver “Sonic” se siente como transportarse directamente a aquellos años gloriosos de casettes, boybands y teléfonos fijos. Tenés a un Jim Carrey volviendo a esa comedia excéntrica y física que lo volvió tan célebre y una trama sencilla que no se preocupa (tanto) por establecer innumerables easter eggs o prepararse para todo un universo cinematográfico. Los guiños y las referencias están, obviamente. Y como fan de la saga es muy divertido detectarlos. Pero son sutiles y están orgánicos al relato que se presenta. Los adultos que vayan a verla también pueden entretenerse con el inexplicable conocimiento que tiene Sonic sobre la cultura popular, ya que se la pasa haciendo chistes sobre personajes “veloces” (comics de Flash, la franquicia de “Rápido y Furioso”, Quicksilver de los X-Men, Keanu en “Máxima Velocidad”, etc). De todas maneras, vamos a aclararlo: “Sonic” es un producto infantil pensado para chicos que en su vida agarraron un joystick de Genesis. Me costaría creer que un niño de 8 o 9 años la pase mal viendo la película porque es muy llevadera. Milagrosamente, es una obra más que decente. Nada increíble, pero sí decente. El backlash fuerte que sufrió con aquel primer trailer le terminó jugando a favor, bajando las expectativas generales y brindando la posibilidad a SEGA y Paramount Pictures de revertir la situación. Para lograr el resideño, contrataron a Tyson Hesse, el artista detrás de la hermosa apertura de “Sonic Mania” (2017). Fue una gran decisión, porque la versión final del protagonista es muy superior a la original. Ojos más grandes y expresivos, mejores proporciones, volvieron los guantes y se fueron los dientes horribles. Sonic se ve muy bien. En cuanto a la narrativa, la película la juega en modo seguro. La trama sigue un arco argumental que probablemente hayamos visto una docena de veces. Afortunadamente, se utiliza la agilidad y la personalidad despreocupada de Sonic para darle giro fresco a estos eventos tan triviales. Eso sí: sigo pensando que el animé “Sonic X” (2003) es lo que mejor que brindó el personaje en materia de entretenimiento visual. Es un shonen de 78 episodios que adapta la gran mayoría de los arcos argumentales de los videojuegos, incluyendo las historias de “Sonic Adventure” 1 y 2. ==> CONCLUSIÓN: “Sonic” no es una película ni complicada ni particularmente creativa, pero cumple brindando algo de emotividad y un par de bromas tontas que hacen reír. Para los pibes que no saben lo que significaba soplar cartuchos de la Sega, es más que suficiente. Y para los fans en sus 30 (que han visto peores adaptaciones de videojuegos) es un gran alivio. <== BonusTrack Hace poco conocí la Director´s Cut del “Sonic 3D Blast”. Aproveché la ocasión para analizarla y referirme a otros geniales proyectos fan-made de Sonic. [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com/2020/02/sonic-3d-blast-y-su-directors-cut.html[/link][anc
hor_text]Sonic 3D Blast y su Director´s Cut[/anchor_text] [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 18/02/2020 02:17:53 pm - Puntaje: 0 
pabloaran escribió: La vi hace un par de semanas, pero le di 9/10.Me pareció muy buena y bien hecha...tal cual el tema de la ambigüedad. Al punto de que te hace dudar si lo que pasa son solo los delirios de la mina o si realmente está pasando.Vi varias ya de los hermanos dupplas creep, Jeff, Who Lives at Home, the one i love, cyrus y algunas mas tanto como productores, actores o directores. Hasta ahora nunca me decepcionaron.Alison brie también es protagonista en la serie glow, bastante bien su papel ahí también.
Mirá vos. No vi Glow pero me la vienen recomendando. Tal cual con los Duplass. Igual que A24, siempre meten producciones diferentes al mainstream que decantan originalidad. The One I Love es tremenda. Safety Not Guaranteed tuvo su encanto. Cyrus me la debo (agendada).
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Mensaje escrito por lucianosivori el 18/02/2020 01:15:36 pm - Puntaje: 3 
#HorseGirl (2020) Género: thriller dramático Calificación: 7/10 Sarah es una peculiar e introvertida chica con una fuerte debilidad por los caballos, las manualidades y las telenovelas policiales berretas. Su vida comienza a ponerse confusa cuando una serie de sueños lúcidos la llevan a creer que algo misterioso ocurre a su alrededor. [image]http://es.web.img3.acsta.net/pictures/20/01/22/09/02/0356928.jpg[/image] Luego de pasar por el “Festival de Sundance”, la nueva producción de los Hermanos Duplass llegó a Netflix, quien la distribuye oficialmente. Apenas arranca “Horse Girl” te das cuenta de que no se trata de la típica comedia dramática independiente, sino de algo completamente diferente. Alison Brie ha tenido una carrera bastante exitosa, aunque siempre más del lado de la comedia (“Bojack Horseman”, “Community”, etc). En “Mad Men” sí tenía un rol más dramático pero era una parte del elenco secundario. En cambio, en esta película se come el protagónico con una interpretación que quizás sea la mejor de su carrera. Temáticamente se trata de una obra desconcertante en sintonía con el cine de Bergman. Sin duda funciona como una suerte de “Through a glass darkly” (1961) más moderna. La interpretación tan expresiva de Alison Brie y las escenas amenazadoras contribuyen a generar un lindo suspenso. Lo interesante de “Horse Girl” (o “La chica que amaba a los caballos”, como le puso la Gran N) es el nivel de ambigüedad con el que opera. No es para espectadores que buscan respuestas sencillas. Podría tratarse sobre un estudio de la depresión psicótica (el personaje de Sarah decididamente marca todas las casillas) o bien, que todas las cosas extrañas que ocurren tengan una justificación sobrenatural. En lo personal, creo que el mensaje general es que la mente perturbada de personas con enfermedades mentales no tiene que descartarse por completo porque sus experiencias se sienten reales para ellos, lo cual es un punto muy empático. También admito que la explicación involucrando elementos de la ciencia ficción es todavía más atractiva. ==> CONCLUSIÓN: “Horse Girl” funciona por partida doble, tanto para fans del sci-fi como para aquellos que disfrutan de los íntimos dramas psicológicos. En todo caso, se trata de una interesante experiencia surrealista sobre la naturaleza de la realidad que vale la pena tener en cuenta. <== BonusTrack : [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com/2019/06/teatro-y-existencialismo-Through-a-glass-darkly-b
ergman.html[/link][anchor_text]Teatro y existencialismo en “Through a glass darkly” (1961)[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 07/02/2020 08:08:08 am - Puntaje: 1 
cinecubano escribió: Luciano respeto y disfruto de sus criticas siempre pero decirme que usted odia Skyfall, waooo, que pedazo de filme, para mi gusto lo mejor que he visto de 007 en mi vida
Ja. Es una buena peli Skyfall. Se ve increíble, gran banda sonora, buenas escenas de acción. Mi problema es de piel. No me banco al villano guasonesco de Bardem ni el final a lo mi pobre angelito de la película... sé que es muy personal y que estoy entre los pocos...
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Mensaje escrito por lucianosivori el 05/02/2020 02:08:52 pm - Puntaje: 0 
Serjat escribió: ¡Alerta de SPOILER!SPOILER SPOILER SPOILERNo me acuerdo de muchas casualidades salvo la del avion, justo tenia que caer en el granero donde estaban ellos, lo del piloto que acuchilla al que lo salvo me parecio muy bien, es una de esas cosas absurdas que pasan en la guerra.Lo de los alemanes con mala punteria es verdad, sobre todo el aleman que se le aparece entre las ruinas y que le empieza a disparar con su rifle desde la cintura, ningun soldado profesional haria eso, si hubiera apuntado se terminaba la pelicula
Esa es una, pero hay varias más, eh... (para debatir en algún post spoilero)
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Mensaje escrito por lucianosivori el 05/02/2020 12:07:05 pm - Puntaje: 11 
#1917 (2019) Género: thriller bélico / drama Calificación: 9/10 En el pináculo de la Gran Guerra, dos soldados novatos reciben una misión que los adentrará a contrarreloj a través de territorio enemigo. El objetivo es entregar un mensaje que podría evitar la masacre de 1600 soldados británicos. [image]http://es.web.img2.acsta.net/r_1280_720/pictures/20/01/09/15/10/0234685.jpg[/image] ¡Tiemblan Martin y Quentin! “1917” parece haber llegado de la nada para arrasar con los premios de la Academia que ya prácticamente estaban cantados. Qué pedazo de thriller se mandó Sam Mendes. Una historia que habla sobre los horrores de la guerra pero que le escapa astutamente a la película bélica tradicional, enfocándose mucho más en la exploración y el suspenso. La forma y contenido se diluyen orgánicamente en una sola cosa. Las (falsas) tomas continuas son más que un capricho porque apoyan toda la temática de “1917”: no hay respiros ni cortes en la guerra. En un momento podés estar llorando por la inesperada muerte de un soldado amigo, al siguiente corriendo por tu vida y luego escuchando plácidamente una canción de otro compañero. Con esa misma intensidad se vive la película. Además de ser una proeza técnica (tremendo laburo de Roger Deakins, acompañado por la enorme banda sonora de Thomas Newman), el relato presenta muchísima emoción y corazón. Convengamos que el guion –directo y sencillo– se apoya bastante en varias casualidades para avanzar la trama y que los alemanes disparan peor que un Stormtrooper, pero son cuestiones que le perdono por la experiencia inmersiva que te genera desde el minuto cero. Disfruté mucho de cómo el director coquetea con el género del terror en varias situaciones y también los pequeños cameos de actores consagrados que te sacan una sonrisa entre todo el drama. No son muchos los directores que ganan un Oscar a Mejor Película con su ópera prima. Sam Mendes fue uno de esos raros casos. Un realizador que venía del palo del teatro y sorprendió al mundo entero con “Belleza Americana” (1999). Yo no comulgo con todo su cine (odio “Skyfall” y “Spectre” fue súper olvidable) pero creo que “Camino a la perdición” (2002) es una de las películas más hermosas alguna vez hechas. “1917” es su obra más ambiciosa hasta la fecha y, a nivel técnico, es de lo mejor que vi en mi vida. La creación de los sets, los momentos de tensión, los cambios de ambientes (que ocurren con una misteriosa fluidez) hacen de esta película una especie de “Medal of honor”, en versión live action, que funciona completamente. Muy bien los pibes George MacKay y Dean-Charles Chapman. Creo que fue un acierto no colocar a actores famosos como protagonistas. Ambos ayudan a apoyar también la temática de la película y brindan interpretaciones fascinantes. Su química juntos hacen que conectes inmediatamente. ==> CONCLUSIÓN: “1917” es un logro espectacular que vale la pena ser visto en la mejor pantalla posible. Es más que “el plano secuencia del siglo”. Es pura poesía visual y en su simpleza narrativa subyace una gran complejidad temática. Si puedo definirla con una palabra es INMERSIÓN. Es una experiencia de sentidos única en su tipo. <== Bonus track [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com/2020/01/mis-20-peliculas-favoritas-2019.html[/link][ancho
r_text]Mis 20 películas favoritas del 2019.[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 23/01/2020 07:20:57 am - Puntaje: 2 
En Android, no le podés errar con Pixel Dungeon.

Mensaje escrito por lucianosivori el 22/01/2020 10:27:22 am - Puntaje: 5 
#ElRoboDelSiglo (2020) Género: heist-movie / comedia Calificación: 7,5/10 Refugiado de la lluvia, un artista plástico con crisis existencial tiene la idea de su vida. Delante suyo se encuentra la fachada del Banco Río de Acassuso y él tiene el plan perfecto para atracarlo. [image]http://www.cronista.com/export/sites/diarioelcronista/img/2020/01/15/afiche_robo_del_siglo_ba
ja.jpg_145476267.jpg[/image] Del multiverso de Guillermo Francella llega el Francella de “Casa de Papel”. Maximo Cozetti y Pepe Argento se unen para un último gran trabajo antes de retirarse. Las historias de complejos y arriesgados robos son una estampa del cine desde hace años, pero Argentina nunca tuvo un gran exponente… hasta ahora. Sí, podemos enorgullecernos de “Nueve reinas” (2000), aunque esa historia es más sobre una gran estafa antes que un atraco a un banco. “El robo del siglo” es Ariel Winograd en su mejor forma, un director muy prolijo que la viene pegando hace años con geniales comedias (“Permitidos”, “Sin hijos”, “Mi primera boda”, “Mamá se fue de viaje”, etc). Esta película es también una comedia en su estructura, si bien genera muchísima tensión a medida que progresa el robo. Ayudan muchísimo los altísimos valores de producción que presenta. Winograd es hábil detrás de cámara, presenta planos interesantes y logra reproducir a la perfección toda la ambientación de aquel 2006, afiches y publicidades del momento incluidas. Es verdaderamente una reconstrucción fantástica. Peretti (el actor fetiche del director) y Francella la rompen, cada uno haciendo lo que mejor saben hacer. Tienen tanta química juntos que te compran desde el primer momento, haciendo que la experiencia en el cine sea súper disfrutable. ¡Qué hermosa naturalidad tiene Francella para putear! Acompañan un elenco sobrio donde destaca Luis Luque. La hija de Guillermo está más como un favor que otra cosa, pero como tiene pocas escenas no molesta su falta de experiencia. Pablo Rago siempre es de madera lo bancamos igual. Cuando salí de la sala le comenté a mi mujer que “El robo del siglo” me pareció bastante más ingeniosa que “La odisea de los giles”, que también planteaba un intrincado robo. Son relatos diferentes que, en su esencia, pertenecen a un mismo género. La obra de Borensztein también se me había hecho más chata en el apartado técnico, donde Winograd claramente le pinta la cara. El ritmo tiene un estilo hollywoodense donde todas las escenas avanzan el argumento hacia adelante. Prácticamente no hay frenos, si bien existen pequeños momentos de relajación que se festejan. Acompaña una banda sonora apropiada que recorre varios géneros, desde la música de cámara (en cámara lenta diría Mundostock) hasta Calamaro y el tema más conocido de Los Violadores. Todo se refuerza con diálogos muy argentinos. Por último, me pregunto si el verdadero Fernando Araujo habrá leído el relato “Too Many Crooks” (1989) de Donald Westlake para inspirarse. Es una gran historia policial que leí en mi adolescencia y tiene una trama sorprendentemente similar. ==> CONCLUSIÓN: Destinado a convertirse en uno de los grandes estrenos argentinos del año, “El robo del siglo” tiene una gran construcción de los protagonistas, excelente ritmo y tensión (por más que uno conozca el desenlace) y muchísimo humor. Muy disfrutable. <== “En barrio de ricachones, sin armas ni rencores. Es solo plata y no amores” [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 16/01/2020 08:46:03 am - Puntaje: 8 
#RiseOfTheSkywalker (2019) Género: acción / sci-fi / aventuras Calificación: 4/10 Un año después de los eventos de “Los últimos Jedi”, los sobrevivientes de la Resistencia se enfrentan una vez más a la Primera Orden. Mientras tanto, la antigua guerra entre los Jedi y los Sith llega a su clímax con el inesperado regreso del emperador Palpatine. [image]http://sm.ign.com/ign_es/screenshot/default/posterstarwars_4m5a.jpg[/image] Estoy mirando a mis amigos por última vez… yo tenía 13 o 14 años cuando vi la trilogía original. Fue amor a primera vista. Pese a sus grandes defectos, también esperé con ansias cada nueva entrega de las precuelas. No me considero un fan acérrimo de “Star Wars”, pero la franquicia atraviesa todo mi vida. Hay una creencia popular de que “Star Wars” despertó tantas pasiones por ser vanguardista. Lo era, sin duda, aunque contaba las mismas historias de samuráis y westerns en un entorno diferente, nada más. Lo que de verdad nos dio fue la sensación de infinito, de un universo enorme y misterioso, de criaturas extrañas, monumentos colosales y lugares ocultos. Y sables laser, claro. Llegar a ver el desenlace de una trilogía atada con tanto alambre es una experiencia un tanto frustrante. Más cuando sabemos lo rico que es el universo de Star Wars y las cosas interesantes que llegan cuando tenés a un equipo realmente creativo detrás (si tienen dudas, vean “The Mandalorian”). “Rise of the Skywalker” es una película que te deja agotado en el peor de los sentidos. Primero porque gasta demasiado tiempo en destruir prácticamente todo lo que había hecho Rian Johnson en “Los últimos Jedi” (quien, dicho sea de paso, se había encargado de ir en contra también de todo lo que planteaba “El despertar de la fuerza”). Esta trilogía estuvo muy desorganizada porque los productores nunca tuvieron un plan definido para los conflictos y nuevos personajes. Cada sucesiva entrega hizo lo que quiso desechando todo lo anterior. Borrón y cuenta nueva. En esta entrega, por ejemplo, Abrams convierte al controversial personaje de Rose en apenas una extra, modifica las personalidades de varios personajes y volantea la historia en otra dirección. Básicamente esta nueva trilogía nunca se puso de acuerdo en lo que quería ser y contar, refritando viejos conflictos, abusando del fanservice y avanzando sin un verdadero hilo conductor. En “Rise of the Skywalker” estos hechos son todavía más visibles. La película siempre va por el camino seguro, presentando un guión clásico que no innova en lo absoluto. Pero esta producción también es decepcionante por la enorme cantidad de giros tontos (y nuevos e incomprensibles poderes de los Jedi) que presenta. Tampoco hay secuencias atractivas. Por lo menos de las dos anteriores rescato algunas escenas memorables. En este cierre no me va a quedar grabado ningún momento porque todo es demasiado genérico y básico. Vamos a concederle a J.J Abrams que logró brindar una propuesta entretenida para las dos horas y pico que uno pasa en la butaca. Sin embargo, si te la ponés a pensar un poco te hace ruido por todas partes. Los problemas de esta última entrega abundan en niveles narrativos, técnicos y argumentales. Pero más pecaminosas son las incongruencias con las convive, las reglas que crea, los acontecimientos que ignora y la forma en la que manipula el pasado. Si ésta va a ser la gran despedida de Star Wars (por lo menos por un tiempo), “Rise of the Skywalker” deja un sabor bastante amargo. Pese a efectos visuales correctos, todo el espectáculo de Episodio IX se vive como algo genérico y repetido, sin verdadera emoción. De hecho, en términos estrictamente cinematográficos, es la más floja de las tres. ==> CONCLUSIÓN: No esperaba nada bueno de “Rise of the Skywalker” e igual logró decepcionarme. Es floja en prácticamente todos sus aspectos y un cierre poco satisfactorio a una trilogía mal planificada desde el primer momento. <== [link]https://www.facebook.com/sivoriluciano[/link][anchor_text]Fan-page[/anchor_text] [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com.ar/[/link][anchor_text]Blog[/anchor_text]

Mensaje escrito por lucianosivori el 13/01/2020 09:11:31 am - Puntaje: 5 
Interesante (e importante) el reconocimiento a Parasite. Triste cómo quedaron de lado las directoras mujeres este año. Peleadísimo el rubro para “Actor protagónico” (aunque se lo van a dar a Joaquin). Qué loco ver a #Klaus nominada a “Mejor Película de Animación” (hermosa película).

Mensaje escrito por lucianosivori el 10/01/2020 12:19:57 pm - Puntaje: 0 
¡Gracias a todos por los aportes! Yo lo fui leyendo digitalmente en inglés en readcomiconline. Hay están todos los números. La reseña, por cierto, es sin spoilers. Para mi es una subvalorada obra maestra.
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Mensaje escrito por lucianosivori el 10/01/2020 11:01:50 am - Puntaje: 12 
Doomsday Clock, la novela gráfica que oficia de secuela de Watchmen, se convirtió en mi lectura favorita del 2019. En esta nota reseño el comic de 12 tomos evitando los spoilers para quienes todavía no pudieron chequearla. [image]http://1.bp.blogspot.com/-W39nA9qfeUE/XhiaJ-1-AjI/AAAAAAAAhuM/uWVXbfsbYoU2r9gVDrh4qKurJbbFMQO
4gCNcBGAsYHQ/s640/Doomsday_Clock.jpg[/image] Ésta es una historia que tardó dos años en desenredarse y estuvo sostenida con retrasos, cambios en la editorial y varias reescrituras. Por cierto, la reescritura de la línea de tiempo de un cómic en proceso cuyo propósito es reescribir la línea temporal de un universo en proceso es tan metatextual como podría llegar a ser. Finalmente, el camino que tomó valió la pena porque Doomsday Clock es uno de los eventos comiqueros más importantes de la última década. Pera antes debería hacer un poquito de resumen. [link]http://viajarleyendo451.blogspot.com/2020/01/analisis-doomsday-clock-geoff-johns.html[/link][a
nchor_text]Nota completa[/anchor_text]